هنری ماتیس انری ماتیس

هانری ماتیس (۳۱ دسامبر ۱۸۶۹ - ۳ نوامبر ۱۹۵۴) نقاشی فرانسوی که بر نقاشی اوایل قرن بیستم تاثیر بسیاری گذاشت. به سبب نواوری هایش و اثر گذاری اش بر معاصران، یکی از مهمترین هنرمندان سده بیستم به شمار می اید.اهمیت تاریخی کشف‌های او در عرصه رنگ ناب را میتوان در حد دستاورد کوبیسم در ازادسازی فرم از قید بازنمایی عینی دانست.ماتیس در رشته حقوق تحصیل کرد و ابتدا در همین رشته مشغول به کار شد، ولی در بیست و دو سالگی به دنیای هنر گام نهاد.او در مسیر نقاشی دست به تجربه مجسمه سازی زد و از هنرمندان برجسته گروه دَدگر (فوویست) به شمار می رفت.

محتویات [نمایش]
زندگی [ویرایش]

وی در لوکاتو-کامبرزی، در شمال فرانسه متولد شد. در رشتهٔ حقوق تحصیل کرد؛ در ۱۹۸۰ در پاریس در آکادمی ژولین زیر نظر گوستاو مورو به فراگیری هنر پرداخت. در ۱۸۹۷ با پیسارو در دورن آشنا شد. کارهای خود را در نمایشگاه‌های مختلفی از جمله از ۱۹۰۱ در سالن مستقل‌ها و از ۱۹۰۳ در سالن پاییز به نمایش در آورد؛ در ۱۹۰۴ نخستین نمایشگاه خود را در ولار برگزار کرد. تابستان هارا با نقاشی کردن در جنوب فرانسه می‌گذراند. در سال‌های ۱۹۰۵ و ۱۹۰۶ همراه نقاشان دیگری با عنوان فووها آثار خود را در سالن پاییز به نمایش گذاشت. به ایتالیا، آلمان، اسپانیا، مراکش و مسکو سفر کرد. نخستین جایزه خود را در نمایشگاه بین‌المللی کارنگی در پیتزبورگ در ۱۹۲۷، و سپس در بی ینال ونیز در۱۹۵۰ دریافت کرد . وی در ونس، در جنوب فرانسه با زندگی وداع کرد.[۱]

موضوعات و اثار [ویرایش]

نخستین نمایشگاه اثارش در سال پاییز ۱۹۰۵ بود که به او و دوستانش عنوان تحقیر امیز فووها داده شد. هنرکده ای به راه انداخت و در ان به تدریس اصول هنری خود پرداخت. در یادداشت‌های یک نقاش، اصولی را پیش نهاد که تحولی بعدی نقاشی سده بیستم بر ان استوار شد. در مونیخ نمایشگاه هنر اسلامی را دید(۱۹۱۰)، و به منظور مطالعه بیشتر هنر به مراکش رفت و در شهر نیش اقامت گزید.


طرح هایی برای نمایش رقص "اواز بلبل" (کار استراوینسکی – دیاگیلف) ساخت ۱۹۱۹.مجموعه اثارش را در موزه هنر مدرن نیویورک به نمایش گذاشت(۱۹۱۳). در امریکا، سفارشی برای یک نقاشی دیواری با عنوان رقص گرفت.در همین سال‌ها، اشعار مالارمه، و پولیسیز جویس را به تصویر کشید.اسلوب کاغد چسبانده را برای نخستین بار ازمود۱۹۳۷.نمازخانه شهر وانس فرانسه را تزیین کرد۱۹۴۹-۱۹۵۱. در بی ینال ونیز جایزه اول را ربود (۱۹۵۰). ماتیس در عرصه مجسمه سازی اثاری ارزشمند از خود به جای گذاشت.نقش برجسته‌های چهارگانه او با عنوان پشت (۱۹۰۹-۱۹۳۰ )، حاکی از پژوهش‌های عمیقی است که در مسائل فرم و ساختمان سه بعدی انجام داد.[۲]


در ۱۸۹۲ به مدت چند ماه عضو فرهنگستان بوگرو بود و از سال ۱۸۹۲ تا ۱۸۹۷ نزد کوستاو مورو تعلیم گرفت و سخت تحت تاثیر امپرسیونیسم قرار گرفت و تابلوی" میز شام" به تاریخ ۱۸۹۷ بیانگر نزدیکی کارش به سبک بوناردو و وولار است. در سال ۱۹۰۱ همراه درن با ولامینگ اشنا شد. قبلا او با درن دوست بود حدود سال ۱۸۹۲ به روش تفکیک روی اورد اما در ۱۹۰۳ – ۱۹۰۱ به سزان گرایش یافت و رنگ مایه ای تیره در برابر کیفیت مصنوعی رنگ درخشان سیناک را پذیرفت. تاثیر سیناک در سال ۱۹۰۴ بار دیگر تجدید شد و ان هنگامی بود که ماتیدوباره الهام س با او در جنوب فرانسه اقامت داشت و این تماس دوباره الهام بخس او در تابلوی "تجمل، ارامش و شهوت" شد.


این تابلو نهضت دَدگری را اغاز کرد .این جریان در سال ۱۹۰۵ روی داد اما، در میان مخالفت عمومی، ماتیس حامیانی در خانواده اشتاین به دست اورد و به خرید نقاشی هایش و تشویق امریکایی‌های دیگر به خریداری ان‌ها می پرداختند و بعداً روزهایی چون شوکین و موروسوف حامیان اصلی او شدند. ماتیس جمع اوری تندیس‌های افرقایی را اغاز کرد(درن و ولامینگ هم به این تندیس‌ها علاقه مند بودند) و این کارهای دستی بومی را از سفر به الجزایر در سال ۱۹۰۶ با خود به فرانسه برد هرچند تاثیرشان بر او کمتر از کوبیسم بود. در سال ۱۹۰۶ او "شادی زندگی" (فیلادولفیا، بنیاد بارنز) را به نمایش گذاشت که نشان دهنده یک تغییر بنیادی در جهتی جدا از تفکیک گری سیناک و در جهت سبک سزان با رنگ امیزی دَدگرا بود.[۳]


ماتیس در نخستین سال هلی فعالیتش پرده هایی از طبیعت بیجان و گوشه‌های داخلی خانه در برتانی را نقاشی کرد. در این پرده‌ها، نشانی از ستایش شاردن مشهود است. در اواخر دهه ۱۸۹۰، تحت تاثیر امپرسیونیسم و نئو امپرسیونیسم به رنگ‌های تند و درخشان روی اورد. بعداً با دیدن اثار سزان به او جلب شد. پس از ان توجه خود را بر مسئله استحکام ساختار نقاشی متمرکز کرد.پرده هایی چون اکادمی ابفام گذر از رنگپردازی درخشان به حجم نمایی ساده را نشان می دهد. این مرحله تجربی انگاه به پایان رسید که او به شیوه رنگ گزینی نئوامپرسیونیست‌ها بازگشت. در این هنگام، اساس فوویسم در نقاشی اش شکل گرفت. به زودی، رهبری ماتیس نزد دوستانش مقبول افتاد. در اثاری چون زیبا، ارام، دل انگیز(۱۹۰۵) ویژگی هنر او نمایان شد.


ماتیس با بررسی نقادانه میراث نواوران نسل پیشین به چنین نتایجی دست یافت:کاربست رنگ ناب، همچون معادلی برای نور، تجسم فضا با بهره گیری از جلوه‌های مختلف رنگها، وضوح و سادگی خطهای شکل ساز، سازماندهی تصویر به مدد نیروهای ذاتی خطو رنگ. موضوع از طریق این هماهنگی صوری در پردهنقاشی، بیان هنری م یابد، واین نوع هماهنگی قابل مقایسه با ترکیب اصوات در موسیقی است.بدین سان، پایه‌های زیبایی‌شناسی ماتیس ساخته شدند. او در سراسر زندگی هنری اش، خود را وقف تکمیل اصول این زیبایی‌شناسی کرد. در دهه ۱۹۱۰و رنگ‌های ماتیس تا حدی خاموش شدند و نیز شکل‌های هندسی در کارش رخ نمودند، با این حال او چندان تحت تاثیر کوبیسم قرار نگرفت در عوض او با کشف ارزش‌های تصویری و تزیینی هنر خاور زمین، در جهت هدف خود به پیش رفت. سلسله پرده‌های زنان حرمسرا، مرحله کمال او در مقام یک استاد رنگ شناس را نشان میدهد. در دهه ۱۹۳۰ عنصر خط در کارش مهم تر شد. این تغییر را مثلا در دیوار نگاره‌های رقص به روشنی می توان دید. در این نقاشی‌ها و در طرح هایی که با بریده‌های کاغذ رنگی ساخت، ساده سازی شکل‌ها و صرفه جویی در گزینش رنگ به نهایت رسید.


ماتیس از معدود هنرمندانی بود که جنبه‌های عقلانی و عاطفی را در هنر خود به هم امیخت. او به هنری بیانگر و هدفمند اعتقاد داشت. از این لحاظ، او را میتوان با اکسپرسیونیست‌های المانی مقایسه کرد( اگر چه حال و هوا و اسلوب کار او با اثار اکسپرسیونیست‌ها یکسره متفاوت است). در هنر ماتیس، صور بدوی بدون خشونت تشویش انگیز رخ می نمایند. نحوه به کارگیری رنگ و خط در نقاشی‌های او چنان است که هیچ گاه عمق معنای هنری و تصویری شان کاسته نمی شود. به اعتقاد او "فقط ان کسی که بتواند عواطف خود را به طرزی اصولی نظم دهد، هنرمند است". ماتیس به هنری متعادل، ناب، اهنگین، ارامش بخش، و عاری از موضوع‌های گزنده و دلگیر می اندیشید.[۲]


اثار ماتیس در بیشتر موزه‌های هنر مدرن در جهان یافت می‌شود. دو مجموعه بزرگ در مسکو از جمله اثاری است که می توان نام برد که شامل دیوارنگاره «رقص» نیز می‌شود.امروزه موزه ماتیس در زادگاهش وجود دارد.او ارزو داشت که هنرش همچون یک صندلی راحت باشد که خستگی را از تن ادمی بزداید و به او اندکی لذت، خوشی، و شادی بخشد. در واقع، شاید همین هدف باعث شد که او از هرگونه تعمیق تاریخی با روانشناختی در انسان معاصر امتناع کند.[۳]

پانویس [ویرایش]

↑ لینتن(۱۳۸۲)، ص ۴۷۶
↑ پاکباز(۱۳۷۹)، ص ؟؟؟
منابع [ویرایش]

در ویکی‌انبار پرونده‌هایی دربارهٔ هانری ماتیس موجود است.
تارخ هنر مدرن، نویسنده لینتن، نوربرت، ترجمه رامین علی، ناشر :نشر نی، سال ۱۳۸۲

2.پاکباز، رویین، دایره المعارف هنر. چاپ دوم، تهران: نشر فرهنگ معاصر، ۱۳۷۹.

3.لینداموری، پیتر، فرهنگ هنر و هنرمندان، ترجمه افشار سوسن، تهران‌: نشر روشنگران، سال ۱۳۷۲.

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قس عربی
هنری ماتیس (Henri Matisse) عاش (1869-1954 م) هو رسّام فرنسی. من کبار أساتذة المدرسة الوحشیة (fauvisme)، تفوق فی أعماله على أقرانه، استعمل تدریجات واسعة من الألوان المنتظمة، فی رسوماته الإهلیجیة (کانت تُعْنى بالشکل العام للمواضیع، مهملة التفاصیل الدقیقة)، یعتبر من أبرز الفنانین التشکیلیین فی القرن العشرین.
تتضمن أعماله لوحات تصویریة، منقوشات، منحوتات، زجاجیات (کنیسة الدومینیکیین فی فینشی، 1950 م). تَعْرِض العدید من متاحف العالم أعماله، وخصص اثنان منها له -فی فرنسا-: أحدهما فی نیس (Nice) والآخر فی کاتو (Cateau).
کان زعیما لاول حرکة فنیة ظهرت فی مطلع القرن العشرین وهی الوحشیة التی لم تدم طویلا.ولد ماتیس فی بلدة کانو کامبریزی بشمال فرنسا درس القانون فی باریس واشتغل لفترة فی مکتب محام فی بلدته الا انه سرعان ماشعر ماشعر بمواهبه الفنیة فرجع الی باریس لیدرس مبادئ الرسم علی ید المصور برجیرو ثم ترکه وذهب الی دراسة أکثر تحرارا فی مدرسة الفنون الجمیلة علی ید المصور جوستاف مورو بدات شهرة ماتیس تضح بعد أن اشترک مع بعض زملائه فی صالة ن خریف عام 1905 واعتبر ماتیس زعیما للحرکة عندما اطلق اسم الوحوش علی جماعته وانهالت علیه الدعوات من المعجبین فی أمریکا والسوید والنرویج لینشئ مراکز لأسلوب الدراسة الوحشیة لذلک کان لتعلیمه اثر فی مسار التصویر الحدیث.
[أخف] ع · ن · تلوحات هنری ماتیس
امرأة تقرأ · الجدار الوردی · نوتردام قبل الغروب · ترف وهدوء ومتعة · الخط الأخضر · النافذة المفتوحة · امرأة ترتدی قبعة · أسطح کولیور · منظر طبیعی فی کولیور · سعادة الحیاة · البحار الشاب · بورتریه ذاتی بقمیص مخطط · مدراس حمراء · عاریة فی الزرقة · الغرفة الحمراء · لعبة البولینغ · سباحون مع سلحفاة · رقصة · موسیقى · حیاة ساکنة مع نباتات الجیرانیوم · المرسم الأحمر · المحادثة · زوره على الشرفة · نافذة فی طنجة · لو ریفان أسی · منظر لنوتردام · امرأة على مقعد عالی · الستارة الصفراء · الرسام وعارضته · جاریة رافعة ذراعیها · جاریة صفراء · رقصة 2 · رداء بنفسجی وشقائق النعمان · امرأة فی معطف بنفسجی · القمیص الرومانی · رامی السکاکین · آسیا · بنتان صفراء وحمراء · براعم البرقوق · حیوانات البحر · أحزان الملک · ورقة سوداء على أرض خضراء · الزنجیة · عاریة فی الزرقة 2 · الحلزون · الزورق

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تصنیفات: رسامون فرنسیونموالید 1869وفیات 1954

قس آرامی
ܗܢܪܝ ܡܐܛܝܣ


ܗܢܪܝ ܡܐܛܝܣ
ܗܢܪܝ ܡܐܛܝܣ (ܦܪܢܣܐܝܬ: Henri Matisse) (ܐܬܝܠܕ 31 ܒܟܢܘܢ ܐ 1869 - ܡܝܬ 3 ܒܬܫܪܝܢ ܒ 1954) ܗܘܐ ܪܫܘܡܐ ܘܐܡܢܝܐ ܦܢܣܝܐ܆ ܡܐܛܝܣ ܚܕ ܡܢ ܣܝܘܡܐ ܕܐܡܢܐ ܚܕܬܐ ܥܠ ܪܘܫܡܐ ܗܘܐ܀
ܣܕܪܐ: ܪܫܘܡܐ

قس مصری

هینری ماتیس (Henri Matisse) (موالید 31 دیسمبر 1869 م و وفاته 3 نوفمبر 1954) م و عاش تقریبن 85 سنه کان من اشهر الرسامین فی القرن العشرین .

[تعدیل]أسلوبه

فنان فرنساوی اشتهر برسوماته بالالوان السایله واللامعه .
فیه فایلات فى تصانیف ویکیمیدیا کومونز عن:
هینرى ماتیس
تصانیف: موالید 1869وفیات 1954رسامین فرنساویین

قس ترکی آذری
Anri Matiss (fr. Henri Emile Benoit Matisse; 31 dekabr 1869 - 3 noyabr 1954) - fransız rəssam, heykəltaraş, Fovizm hərəkatının lideri. "Şlyapalı qadın" (1905), "Rəqs" (1909), "Qollarını qaldıran nökər" (1923) onun məşhur əsərlərindəndir.
Anri Matiss XX əsrin ən vacib fransız sənətkarı hesab edilir. Rəngləri böyük bir ustalıqla işlətdiyinə görə Pisakko və Kandinskylə birlikdə, modern sənətinin ən böyük sənətçilərindən biri qəbul edilir. Matiss 1869-cu ilin son günündə, yəni dekabr ayının otuz birində Şimali Fransanın Le Cateau bölgəsində dünyaya göz açmışdır. 1870-71-ci il müharibəsi, onun ailəsini Bohain en Vermandoisə qaytardı. Matissenin atası həvəskar rəssam, onun anası taxıl ticarətçisi idi. Orta təbəqənin oğlu olan Matiss, uşaq ikən rəsmə maraq göstərməyinə baxmayaraq ilk təhsilini atasının istəyi ilə 1887-1888-ci illərdə Parisdə alan Matiss burada hüqüqu oxuyur. Uğurla keçən təhsil illərindən sonra Saint Quentində bir vəkilin yanında köməkçi işləməyə başladı. Eyni zamanda Eiole Quentində rəsm çəkmək kurslarını da davam etdirdi. Ancaq 1890-cı ildə, yəni iyirmi yaşında keçirdiyi apendisit əməliyyatından sonrakı uzun bir müddəti yataqda keçirdi, bir sıra rəsm itkisi adət halına çevrildi və bu da Matisseni daha da ruh düşkünü edirdi. Çünki onun həyatı rəsm çəkmək üzərində qurulmuşdu. Həmin vaxtlarda Matissenin ən böyük arzusu xəstə yatağından qalxmaq və yenidən rəsmlə məşğul olmaq idi. Məhz elə bu səbəbdən Matiss 1891-ci ildə vəkillik kariyerasına son verərək tamamilə rəsmə yönəldi və Parisə gedərək akademik Julyan Da Villyam Bourgeranun sinifinə qəbul oldu. Ancaq o incəsənət məktəbində Gustave Moreaunun studiyasına daxil olmaq üçün 1892-ci ildə getdi. Və 1895-ci ildə imtahanı qazanaraq rəsmən Maureaunın şagirdi oldu. Harada ki, o 1897-ci ilə kimi oxudu. Moreau liberal müəllim idi. Kim ki onun şagirdlərinin fərdiyyəti ilə toqquşmadı, arasında, kim ki Corclar Rouault, Albert Marquet, Henri Manguin, Çarlz Camoin və Jan Puy idi. Moreau təbiətə baxmaqla onun tələbələrini həvəsləndirdi və açıq havada rəngləmək, həmçinin tez-tez muzeylərə gedirdi. O xüsusən muasir incəsənətlə maraqlanır, impressionistlərdən təcrübələnirdi. Həyatının rəsm boyaları kimi rəngarəng keçməsi üçün bir dəqiqəsini boşa sərf etməyən Matiss Ekole Des Arts Dekoratifsə yazıldı Matisse Philippe de Champaigne, Nikolas Poussin və Luvrda Jan Baptiste Chardin tərəfindən şəkilləri köçürdü və Parisdə açıq havada rənglədi. Təxminən 1898-ci ildə, impressionizmin təsirinin altında, Matissenin palitrası daha yüngül oldu, necə ki onun Gözəl qadın İlenin dənizə aid gözəl mənzərələrində və Corsicanın və Kot d Azurunun mənzərələrindən idi. Baxmayaraq ki xarakterdə impressionist Matissenin bu erkən işləri artıq rəngdə və sadələşdirmiş formalarda əhəmiyyətli vurğunu göstərirdi. Matisseyə 1898-ci ildən dörd il əvvəl bir qız uşağı vermiş olan Amelie Parayre evləndi, və eyni ildə Londona səfər etmişdi, J. M. W-in işlərini öyrənmək üçün Kamilla Pissarronun məsləhətindən istifadə etmişdi. Matisse 1899-cu ildə onun birinci heykəlini yaratdı. 1900-cu illərdən başlayaraq Matiss illər boyu böyük maddi maneəyə, çətinliyə dözdü. 1902-ci ildə sənətkar, onun həyat yoldaşını və onların üç övladlarını Bohainə qayıtmağa məcbur etdilər. 1903-cü ildə Salon d Automnesinin əsası qoyulduş 1900-dən 1903-cü ilə qədər Pol Cezannenin təsirinin altında, Matisse natürmortları və nudesi istehsal etdi hansı ki aydınlıqda və ahəngdə digər natürmortları ötüb keçirdi. 1904-cü ildə o Parisdə Ambroise Vollardın qalereyasında onun birinci fərdi tamaşasına malik idi və Mömin Tropezdə yayı keçirdi və həmin müddəti Pol Signac ilə yaşadı. Signac Luxe Matissenin məşhur şəklini, calme volupte (1904-1905), aldi. Salon des independants da göstərildi. Matiss sonra özünü üçün rəssamlar qrupunun lideri kimi reputasiyanı Les Fauves kimi tanınan etdi. Onlara tənqidçi ilə vermiş istehzalı nişanlı, ad Matissenin təcavüzkar zərbələrini və ilkin rənglərin cürətli istifadəsini əks etdirdi. 1905-ci ildə Matisse üç şəkil ilə, Şlyapalı Qadın daxil olmaqla, gözlənilməz şöhrəti əldə etdi, varlı Amerikan eks vətənpərvəri Gertruda Stein tərəfindən alınmış. Şəkil kənarında litoqrafiyalar və heykəl ilə işlədi və II Dünya Müharibəsi ərzində o kitab layihələrinin sırasını etdi. Sonra onun karyerasında kağız konturları ilə təcrübə apardı və Vencedə, Fransada Dominikan kiçik kilsə üçün dekorasiyaları layihələşdirdi. Picasso ilə birlikdə, Matiss həyatı boyu dünyanın ən böyük canlı rəssamlarından biri hesab edildi. Onun başqa işləri "Rəqsi" (1910), "Qırmızı Balığı" və Qrində" (1913) "Mərakeşi özündə saxlayır . 1905-ci ildə Matisse Collioure-də Derain ilə rənglədi. Matisse işləri yerinə yetirdi ki, onların açıq rənglərində və yastı patterningdə Fovizmin mahiyyəti çox vəhdət kəsb etsin.
Zirvənin forması. Fovizm.
20-ci əsrin döngəsi haqqında, bir neçə sənətkar var idi kim ki eyni zamanda və bir-biridən asılı olmayaraq güclü rəng üçün zövqü inkişaf etdirdi. Bu simpatiya Vinsent Van Qoğunun işindən alındı - hansı ki puantilistlərdən və ya puantilistlər və Taiti adasında primitivismin Pol Gauguinin təcrübəsindən. Vizual təcrübəyə primitiv yanaşma ilə əsas rəng sxeminin kombinasiyası hansında ki sadələşdirmə və təhrif expressivenessi, Fovizm ilə nəticələnmiş, artırırlar, hansı ki müasir hərəkatı başladı. Müasir incəliyin ən böyük sahibi Henri Matiss, tərzdnən öyrəndi, hansında ki uşaqlar çəkir, günahsız necə yolda təbii obyektləri görmək, elə bil ilk dəfə onları hiss edirdi. Matiss sənətkar idi kim ki müasir hərəkatda rəngləyən Fransızların milli ənənəsini yerinə yetirdi. Kubizm keçmişin incəsənətinə yeni alternativ kimi səhnəyə daxil olanda - nə onunla daxil oldu, nə də müasir incəsənətdə analitik, beyin keyfiyyət idi. Fovizm, digər tərəfdən, sensualismin qələbəsi onun birinci mərhələsində təmsil etdi, hansı ki xüsusilə rəngdən güclü birbaşa təsir ilə onun məlumatını ötürdü. Fovizm Matisse klassik incəsənəti inkişaf etdirdi. Balansa rəngin, işığı və formanı ifadə etmək, arasında nail olundu, heç bir illüzionizm olmadan iki ölçülü tərzdə təmiz formalar kimi obyektləri təqdim etdi. Matissenin Fauve dövrü 1905-dən 1908-ə uzandı, o şah əsərlərin əzəmətli sıralarını yerinə yetirdi. Sənətkarların üç qrupu Fauvist hərəkatını təşkil etdi, Matissedə cəmləndi. Birinci qrup idi ki, Atelier Moreaudan və Academie Carriere: Marquet, Manguin, Camoin və Puy. İkinci qrup iki sənətkardan ibarət idi: Moris Vlaminck və Derain. Üçdə bir Havr qrupu idi: Othon Friesz, Raoul Dufy və Corclar Braque. Dongen Holland rəssam Kees furqonu həmçinin Fauvesə mənsub idi. 1905 Salon d Automnesində, Fauves onların birinci I ictimai meydana çıxmalarını düzəltdi. 1906-cı ildə Matissenin Həyat sevinci Independantsda göstərildi; şəkil hansı ki rəngli harmoniya ilə əlaqələndirilmiş unbroken səthlərinin sıralarında təşkil edilir və onun yeni ideyalarını təcəssüm etdirir, Fauvesin Kralının adı onu əldə etmiş. Leo Stein Amerikan toplayıcısı onun işini almağa başladı .Matisse 1906-cı ildə Şimalı Afrikaya onun birinci səfərini etdi. Onun Göy Çılpaq və ya Souvenir de Biskra (1907), səfərin suveniridir. Bu şəkildə o contrapposto ilə təcrübə apardı və o Çılpaq Bədənini geri çəkən heykəldə eyni formadan istifadə etdi(1907). 1907-ci ildə Appolinaire, məqalədə Matiss haqqında şərh etmək La Falangedə nəşr etdi, dedi ki, "Biz ekstravaqant və ya ekstremist təşəbbüsün iştirakı ilə burada deyilik: Matissenin incəsənəti fövqəladə ağıllıdır". Ancaq vaxtın Matissenin işi həmçinin hiddətli tənqid ilə rastlaşdı və bu onun ailəsini nəzərdə tutmaq onun üçün çətin idi. Onun mübahisəli 1907 Ad Məlum Deyil bleusunu rəngləmək 1913-cü ildə Çikaqoda Silah anbarı Tamaşasında təsvirdə yandırıldı.
1906-dan sonra Fauvist hərəkatının alçalması Matissenin qalxmasına təsir göstərmək üçün heç nəyi etmədi; o Montparnassedə bədii istedadın böyük yığmasının aktiv hissəsi olanda onun ən gözəl işlərinin çoxu 1906-cı ilin və 1917-ci ilin aralarında yaradıldı, hətta baxmayaraq o olduqca yararlı etmir , onun ənənəvi meydana çıxması və ciddi burjuaziya iş vərdişləri ilə Matiss Sergei Shchukin Rusiya bədii toplayıcısı ilə uzun assosiasiyaya malik idi. O komissiya ilə, Musiqi olmağı ilə rəngləyən o biri, rəngləmək iki hissəsi kimi Shchukin üçün xüsusilə La Danse onun əsas işlərindən birini yaratdı, 1910-cu ildə. La Dansenin (1909) daha erkən versiyası Nyu Yorkda Müasir İncəsənətin Muzeyinin toplusundadır.O 1905-ci ildə sabiq Convent des Oiseauxda studiyanı qurmuşdu; bu xarici sənətkarlar üçün yığıncaq yeri oldu. O əsasən Alman və Skandinaviya şagirdlər ilə beynəlxalq bədii məktəbin liderinə inkişaf etdi onun ideyalarını yayırdilar. 1908-ci ildə La Grande revyusunda nəşr etmiş onun "Rəssamın qeydləriləri" bütün nəsilin bədii kredosu oldu. Matisse lütfkar adam idi və sənətkardan utancaq dövlət məmuru ilə daha oxşar baxmış. O istənilən vaxtda onun məzuniyyətini götürmək üçün azad qala bilərdi, o heç vaxt onun təhsili üçün heç bir haqqları qəbul etmədi, bu öhdəlik onun yaradıcı fəaliyyəti ilə toqquşurdu.
Stildə dəyişiklik.
1908 və 1913 Matissenin İspaniyaya, Almaniyaya, Rusiyaya və Afrikaya arasında səfərləri etdi. Münxendə o İslam incəsənətinin (1910) sərgisini gördü və Moskvada Rus təsvirlərini (1911) öyrəndi. Rus toplayıcıları onun şəkillərini almağa başladı. O beş heykəli istehsal etdi, Canet başçıları, 1910-cu il ərzində və 1911, hansı ki Afrika maskaları və heykəllər ilə yaxınlıqları göstərirdi.1911-12 –ci illərdə Mərakeş səfəri onun inkişafında həlledici təsirə malik idi, qeyd edən studiyası və onun içindəkiləri Rəqsdə, Musiqidə, Qırmızı Balıqlarda və interyerlərin sırasında şəkil kimi verdi. Onlar qaralar, bozluqlar, mauves, Yaşıllar və ochers ilə sərt və yığcam stili göstərirlər. Böyük Matisse sərgiləri 1910-cu ildə keçirildi ki, 1913 və 1919.1919-cu ilə kimi Matisse tanınmış sahib beynəlmiləl olmuşdu. Onun stili onda təmiz rənglərin və onların təcrübəli qarşılıqlı təsirlərinin köməyi ilə səciyyələndirildi. Dekorativ nümunələr ilə zənginləşdirilmiş şəkil səthinin iki ölçüsü divar kağızlarından, Şərqi xalçalardan və parçalardan götürdü və arabeskaların, insanın musiqi qabiliyyətləri dekorativ elementlər kimi eyni tərzdə davranılmış olmağı təsvir edir. Matissenin incəsənətinin məqsədi bizim texnoloji yaşımızın gərginliklərindən fərqli olaraq yaşayışın sevincinin təsviri idi. 1920-ci iliin və 1925-ci ilin aralarında, o Qaldırmış etmiş Silahlar ilə kənizlərin sırasını, Kəniz kimi yerinə yetirdi. Bu dövr yüngüllüyün oazisi adlandırılmışdır .
Keçən İllər.
1925-ci ildə Matisse fəxri legionun kavaleri edildi və 1927-ci ildə o Pitsburqda Carnegie Beynəlxalq Sərgisində birinci prizi aldı. Taiti adasına səfərdən sonra, Matiss Merionda, Pa.da Anbarlar Fondunda qonaq idi və freska, Rəqs (1932-1933), rəngləmək üçün doktor Barnesin səlahiyyətini qəbul etdi, fondun zalı üçün. Artan templə işləməkonun həyatını fərqləndirdi. O şəkilləri, kitab illüstrasiyalarını, heykəlləri düzəltdi. balet yığımlarını və qobelen və şüşə və layihələri istehsal etdi. O Fransanın cənubunda hərbi illəri keçirdi. 1944-cü ildə Pablo Picasso Azad olmanı keçirmək üçün Salon d Automnesində təmsil etmiş olmaq üçün onu təşkil etdi.Matisse onun layihəsi və Vencedə (1948-1951) Dominikan rahibələr üçün Təsbehin Kiçik kilsəsinin dekorasiyası olmaq üçün onun bütün həyatın işinin kulminasiyasını hesab etdi. O qara-ağ plitka şəkillərini layihələşdirdi, şüşəni, altar çarmıxa çəkməsini və geyimləri boyadı. Matiss Vence kiçik kilsəsinin həsr etməsi vaxtı Nyu Yorkda Müasir İncəsənətin Muzeyində böyük keçmişə aid sərgini keçirdi.Matissenin incəsənətində son addım tutuldu, onun papiers decoupesi, rəngli kağızda mücərrəd konturlar, 1940-cı illərdə ortalarıda yerinə yetirildi, məsələn, Zənci Boksçusu, Kədər du su padşahı və Caz. Matisse 1954-cü ildə 84 yaşında ürək tutmadan öldü. O Monastere Notre Xanım de Cimiez-in qəbiristanında basdırılır və Matisse Muzeyi ərazidə açıldı.
Sonrakı Oxumaq.
Matissenin ən hərtərəfli tədqiqatı indiyə kimi Alfred H.-i Barristeridir, kiçikdir, Matissedir, onun İncəsənəti və onun Kütləsi (1951) - hansı ki bioqrafiyanı, tam biblioqrafik və sənədləri özündə saxlayır. Marağın daha köhnə tədqiqatları Rocer Qızartmasıdır, Henri Matissedir (1935) və Henri Makbrayddır (1930). Daha təzə işlərdən, Jan Leymarie və başqaları (1966) tərəfindən mətn ilə Los-Ancelesdə, Bədii Şurada, Henri Matissedə, Kaliforniyanın Universitetindən, şərhi və Matissenin işinin hamısından nümayəndələr seçmələri təmin edildi. Corclar Duthuit, Fauvist Rəssamları (1950), Jan Leymarie, Fovizm: Bioqrafik və Kritik Tədqiqat (1959), Matisse-də və onun işində ətraflı məlumatı özündə saxlayın.
Miras
Gavalı Çiçəklənmələri, 1948, Müasir İncəsənətin, Nyu Yorkun Muzeyləri Birinci Matissenin rəngləməyi ictimai toplu ilə əldə etdi, Ətirşahlar (1910) ilə natürmort idi, Moderne Pinakothek göstərilmiş. Gavalı Henri Matiss tərəfindən rəngləmək 1948 Çiçəklənir, sentyabr 8, 2005-də alındı ki, Henri Kravis və muzeyin, Meri Josye Drouin yeni prezidentlərindən tərəfindən Müasir İncəsənətin Muzeyi üçün Qiymətləndirilmiş qiymət US $ 25 milyon idi. "Həqiqətən yaradıcı rəssam üçün daha çətin heç nə yoxdur - qızılgül rəngləmək, o edə biləndən əvvəl, beləliklə o əvvəl bütün qızılgülləri unutmalıdır - hansı ki nə vaxtsa rənglənildi". Əvvəlcədən, o 1970-ci ildən bəri kütlə tərəfindən görülməmişdi.Matissenin qız Qızçiçəyi tez-tez onun işləyən metodları və onun işləri haqqında anlamalar ilə alimlərə kömək etdi. O 1982-ci ildə öldü, nə qədər ki onun atasının işinin kataloqunu toplamışdı.Matissenin oğlu, Matisse (1900-1989) Pirri, 1930-cu illərdə ərzində Nyu Yorkda vacib müasir bədii qalereyanı açdı. Matisse Gallery Pirri - hansı ki təmsil etmiş 1989-cu ilə kimi 1931-dən aktiv idi və göstərilmiş çox Avropa sənətkarı, bir qədər Amerikan və Nyu Yorkda Kanadalılar tez-tez, o Coan Miru-sunu, Mark Chagall-ı, Alberto Giacometti-ni, Jan Dubuffet-i, Derain Andry-ını, Yves Tanguy-u, Le Corbusier-i, Pol Delvaux-u, Wifredo Qaçışını, Jan Pol Riopelle-ni, Balthus-u, Leonora Carrington-u, Zao Wou Ki-ni, Sem Frensisi, heykəltəraşlar Teodor Roszak-ı, Raymond Masonu, Reg Batler və bir neçə başqa vacib sənətkar, göstərdi, Henri Matissenin işi daxil olmaqla.Henri Matissenin nəvəsi, Pol Matiss, sənətkardır və Massaçusets ştatında yaşayan ixtiraçıdır. Sofi Matisse Matissenin qadın nəticəsi 2008-ci ildə sənətkar kimi aktivdir. Les Heritiers Matiss onun rəsmi Əmlakı kimi fəaliyyət göstərir. Les Heritiers Matiss üçün ABŞ müəlliflik hüququ nümayəndəsidir.
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قس ترکی استانبولی
Henri Matisse (okunuşu: anri matis) (31 Aralık 1869 – 3 Kasım 1954) 20. yüzyılın en önemli ressamlarından. Renkleri büyük bir ustalıkla kullanışıyla Picasso ve Kandinsky ile birlikte, modern sanatın en büyük sanatçılarından biri kabul edilir.
Matisse 1869 yılının son gününde kuzey Fransa’da dünyaya geldi. 1887 - 1888’de Paris’te hukuk eğitimi alan Matisse, ertesi yıl Saint Quentin’de bir avukatın yanında asistanlık yapmaya başladı. Aynı zamanda, sabah erken saatlerde École Quentin de la Tour’da çizim kurslarına devam etti. Ancak 1890 yılında geçirdiği apandisit ameliyatının ardından büyük ölçüde yatakta geçen bir dönem yaşadı ve bu sırada resim uğraşı giderek bir tutku haline dönüştü.
Böylece, 1891 yılında hukuk alanındaki kariyerine son vererek tamamıyla resme yöneldi ve Paris’e giderek Academie Julian’da William Bourgereau’nun sınıfına kaydoldu. Aynı zamanda kısa bir süre sonra, École des Arts Décoratifs’e yazıldı, 1895 yılında sınavı kazanarak resmen Moureau’nun öğrencisi oldu.
Matisse bu dönemde, kendisi gibi ressam olan komşusu Emile Wery ile birlikte Fransa’nın Brötanya bölgesini ziyaret etti. Daha önce Gauguin gibi öncü sanatçılara esin kaynağı olan Brötanya’dan dönüşünde Matisse, saf prizmatik renklere ilgi duymaya başladı. 1897 yılında, Musée du Luxembourg’da izlenimcileri keşfetmesi de onun sanat hayatı açısından önemli bir dönüm noktası oldu.
1898 yılında, kendisine dört yıl önce bir kız çocuğu vermiş olan Amelie Parayre ile evlenen Matisse, Camille Pissarro’nun tavsiyesi üzerine balayında Turner’ın resimlerini görmek üzere Londra’ya gitti. Paris’e döndükten sonra ilkbahar ve yaz aylarını geçirmek üzere Korsika’ya geçti ve burada Akdeniz ışığı, renklerine yeni bir parlaklık kazandırdı.
1900 - 1904 yılları arasındaki dönemde, Cezanne’ın Mattisse üzerinde kesin bir etkisi vardır. Matisse, bu sırada sergilere de katılmaktaydı; 1903’de Salon d’Automne’a (Sonbahar Salonu) resim verdikten sonra 1904 yılında Vollard’ın galerisinde ilk kişisel sergisini gerçekleştirdi. Cezanne, Van Gogh, Picasso ve modern sanatın öncüsü sayılan daha birçok sanatçıya henüz tanınmadan sahip çıkan Vollard’ın galerisinde sergi açmak, en azından kısıtlı fakat öncü bir sanat ortamının ilgisini uyandırmış olmalıdır.
Matisse 1905 yılı yazını Derain ve bir süre Vlamick’le birlikte Akdeniz kıyısında bir balıkçı kasabası olan Collioure’da geçirdi. Akdeniz, hayatı boyunca Matisse için sanatına güç veren bir çekim merkezi oldu. Derain, Vlaminck ve Marquet ile birlikte, 1905 Paris Sonbahar Salonu sergisine katıldı. Bu sanatçı grubunun birbirine paralellik gösteren çalışmaları, şiddetli bir halk tepkisinin oluşmasına neden oldu ve eleştirmen Louis Vauxcelles bir yazısında onları pervasız renk seçimleri nedeniyle Fauves (Vahşiler) olarak niteledi. Bu tanımı kabul ederek kendilerine Fovist diyen sanatçılar, resimlerinde rengi temel unsur olarak kullanıyor ve saf rengin ifade gücünden yararlanmayı amaçlıyordu. Eleştirilerin hedefinde Matisse ve özellikle de onun Şapkalı Kadın adlı resmi yer aldı. Halkın ve tutucu sanat çevrelerinin tepkisini çeken bu resim, dönemin avangart sanatına ilgi duyan Stein’lar (Michael) tarafından satın alındı.
Matisse’in en sabırlı modeli olan karısı Bayan Matisse, onun bir diğer erken dönem başyapıtına da konu oldu. 1905 yılında tamamlanan Bayan Matisse:Yeşil Çizgi saf, yalın renkli düzlemlerle kurgulanmış kompozisyonuyla, sanatçının üslup eğilimini ortaya koymaktadır. Bu resimden kısa bir süre sonra Yaşama Sevinci adlı büyük boyutlu yağlıboya çalışmayı gerçekleştirdi. Bu resimde, belirgin kontürlerle sınırlanmış nesne ve figürler, saf renklerle tanımlanmıştır. Matisse’in sanatının ana izleği, resimleri aracılığıyla yaşama sevincini yansıtmaktır ve bu doğrultuda renk, ışık ve resmin konusundan yararlanmayı amaçlar. Yaşama Sevinci, 1906 yılında Salon des Indépentants’da sergilendi ve yine tepkileri üzerine çekti. Paul Signac bile onun yanlış yönde ilerlediği görüşündedir. Buna karşılık Leo Stein, resmi modern zamanların baş yapıtı olarak nitelendirerek satın aldı.
1906 yılında Matisse tekrar Akdeniz’in çağrısına cevap verdi ve Cezayir’e giderek Biskra Vahası’nı ziyaret etti. Buradan resimlerinde faydalanacağı çiniler, kıyafetler ve diğer yöresel nesnelerle döndü. İslam ve doğu sanatı onun üzerinde belirgin bir etkiye sahip oldu.
Matisse sadece çinilere değil, doğu halılarına da ilgi duymuştur. Doğu halılarındaki dekoratif unsurlar, saf renkler, soyut biçimler ve düzeyler önem taşımaktaydı. Matisse’in resimlerindeki iki boyutluluk ve dekoratif unsurların artan önemi Gauguin’in 19. yüzyıl sonunda ortaya koyduğu tavrın bir devamı niteliğindeydi. 1908 yılında yaptığı Kırmızıdaki Uyum onun doğu sanatına ve dekoratif unsurlara verdiği önemin bir sonucudur. Resimde masa örtüsü ve duvarın kırmızı renkte olması ve mavi kıvrımlı motiflerin hem masada hem de duvar yüzeyinde tekrar etmesi, resim yüzeyinin iki boyutluluğunu vurgular. Sanatçı 1907-1909 yılları arasında ders verdiği bir resim okulu da açtı fakat daha sonra sanat çalışmalarına yoğunlaşabilmek amacıyla bunu kapattı. 1909 yılında, Moskovalı bir iş adamı olan ve Matisse’in resimlerini toplayan Shchukin ona resim sipariş etmiştir. Matisse’in Rus koleksiyoner için yaptığı Dans ve Müzik adlı büyük boyutlu çalışmalar; saf renk kullanımı, belirgin dış çizgilerle sınırlanmış figürleri ve yaşama sevincini yansıtan temalarıyla Matisse’in baş yapıtları arasında yer aldılar.
Dans’ta elele tutuşmuş daire şeklinde dans eden figür grubu ilginç bir şekilde Ambroggio Lorenzetti’nin Siena’da Palazzo Pubblico’nun duvarlarında yer alan iyi yönetim freskindeki dans eden figürleri anımsatır. Matisse, 1907 yılında bu şehri ziyaret ettiğinde Lorenzetti’nin büyük boyutlu freskini görmüş ve dans eden figürleri dikkatle incelemiş olmalıdır. Müzik ise herbiri izleyiciye dönük düz mavi-yeşil bir fon üzerindeki beş adet kırmızı figürden oluşmuş oldukça sade bir kompozisyondur. Figürlerin dizilişleri belirgin bir biçimde notaların dizilişlerini andırır. Her iki resim de 1910'da Sonbahar Salonu’nda sergilendi.
1908 yılında Berlin’e giderek burada Alman dışavurumcuların çalışmalarını görme olanağını bulan Matisse, 1910 yılında bu kez Marquet ile birlikte Münih’i ziyaret etti ve İslam Sergisi’ni gezdi. Sergide özellikle halılardan etkilendi. 1911 tarihli Ressamın Ailesi, bu etkilenmenin boyutlarını açık bir şekilde ortaya koyar. Resimde sanatçının karısı, kızı ve iki oğlu; kanepelerin, duvar kağıdının ve hepsinden önemlisi yerdeki halının dekoratif kalabalığı içerisinde adeta kaybolmaktadır. Aynı yıl yaptığı Kırmızı Stüdyo ise, tek bir kırmızının iki boyuta indirgediği bir mekâna yerleştirilmiş ve sadece kontürleriyle tanımlanmış nesnelerden oluşmaktadır.
1911 ve 1912 kış aylarını Fas’da geçiren Matisse, bu coğrafyanın ve iklimin etkisiyle daha canlı ve ışıklı renkler kullanmaya başladı. Ancak 1914 yılında I. Dünya Savaşı’nın patlak vermesi sanatında yepyeni bir evreyi gündeme getirdi. Resimlerinde biçimler giderek soyutlaşırken renkler koyulaşmaya ve siyah gölgeler artmaya başladı. 1914 tarihli Notre-Dame Görünümü ve Collioure’da Fransız Penceresi bu dönemin başyapıtları olarak gösterilir.
Matisse, savaşın ardından zamanının büyük bölümünü Nice şehrinde geçirmeye başladı. 1918/19 tarihli Keman Kutulu İç Mekan onun yeniden canlanan renk ve ışık ilgisini yansıtır. Bu dönemde ayrıca, dekoratif yönü ağır basan bir dizi Odalık resmi gerçekleştirmiştir.
1930’lu yıllar ile birlikte resimlerinde biçimler iyice yalınlaşmaya ve dekoratif unsurlar önem kazanmaya başladı. 1931-33 yıllarında gerçekleştirdiği ve üç parçadan oluşan büyük Dans frizi bunun en somut örneğidir. Dans’la birlikte 1935 tarihli Pembe Nü ve 1939 tarihli Müzik onun yinelenen temalarının farklı ele alınışlarıdır.
1940’lı yıllar II. Dünya Savaşı’na ve onu giderek yatağa bağımlı hale getiren hastalığına rağmen yoğun bir şekilde üretmeye devam ettiği bir dönem oldu. Jazz adlı kitap için 1947 yılında gerçekleştirdiği, kesilmiş kâğıt üzerine guaj tekniğindeki çalışmalar Matisse’in yerleşmiş sanat anlayışının farklı bir sunumunu oluşturur. İkarus bu çalışmalardan belki de en tanınmış olanıdır. İlerlemiş yaşlarında gerçekleştirdiği çalışmalarından biri de 1943 yılından beri yaşamakta olduğu Vence’deki Rosarie Şapeli için yaptığı tasarımlardır. Kesilmiş renkli kâğıtlarla hazırladığı taslaklar şapelin vitrayları olarak uygulanmıştır. Ayrıca beyaz seramik yüzeyler üzerine siyah çizgilerle gerçekleştirdiği büyük ölçekler Meryem ve Çocuk İsa, Aziz Dominik ve Kutsal haçla ilgili desenler yer alır. Matisse hayatının son dönemlerinde kesilmiş renkli kâğıtlarla gerçekleştirdiği çalışmalara yoğunlaştı. İlerleyen yaşı ve onu neredeyse yatağa bağlayan hastalıklar eserlerini bu farklı teknikte uygulamasına neden olmuş olabilir. 1952 tarihli Mavi Nü bu eserlerden en tanınmış olanıdır.
Kategoriler: Fransız ressamlarModern ressamlarFovizmEdward devri1869 doğumlular1954 yılında

قس پنجابی

ہنری ماٹس (1869-1954) فرانس دا اک پینٹر سی۔ اودا جوڑ آرٹ دی فاؤزم تحریک نال سی۔
[لکھو]بارلے جوڑ

وکیمیڈیا کامنز چ مورتاں: ہنری ماٹس
[1]ویبسائیٹ
گٹھیاں: فاؤزمپینٹر

قس اردو
ہنری ماٹس (1954- 1869) فرانسیسی مصور تھے۔
زمرہ جات: فرانسیسی شخصیاتفرانسیسی مصور

قس انگلیسی
Henri-Émile-Benoît Matisse (French pronunciation: [ɑ̃ʁi matis]; 31 December 1869 – 3 November 1954) was a French artist, known for his use of colour and his fluid and original draughtsmanship. He was a draughtsman, printmaker, and sculptor, but is known primarily as a painter.[1] Matisse is commonly regarded, along with Picasso and Marcel Duchamp, as one of the three artists who helped to define the revolutionary developments in the plastic arts in the opening decades of the 20th century, responsible for significant developments in painting and sculpture.[2][3][4][5] Although he was initially labelled a Fauve (wild beast), by the 1920s he was increasingly hailed as an upholder of the classical tradition in French painting.[6] His mastery of the expressive language of colour and drawing, displayed in a body of work spanning over a half-century, won him recognition as a leading figure in modern art.[7]
Contents [show]
[edit]Early life and education



Woman Reading, 1894, Museum of Modern Art, Paris
Matisse was born in Le Cateau-Cambrésis, Nord, France, the oldest son of a prosperous grain merchant.[8] He grew up in Bohain-en-Vermandois, Picardie, France. In 1887 he went to Paris to study law, working as a court administrator in Le Cateau-Cambrésis after gaining his qualification. He first started to paint in 1889, after his mother brought him art supplies during a period of convalescence following an attack of appendicitis. He discovered "a kind of paradise" as he later described it,[9] and decided to become an artist, deeply disappointing his father.[10][11] In 1891, he returned to Paris to study art at the Académie Julian and became a student of William-Adolphe Bouguereau and Gustave Moreau. Initially he painted still-lifes and landscapes in a traditional style, at which he achieved reasonable proficiency. Matisse was influenced by the works of earlier masters such as Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Nicolas Poussin, and Antoine Watteau, as well as by modern artists such as Édouard Manet, and by Japanese art. Chardin was one of Matisse's most admired painters; as an art student he made copies of four Chardin paintings in the Louvre.[12]
In 1896 and 1897, Matisse visited the Australian painter John Peter Russell on the island Belle Île off the coast of Brittany. Russell introduced him to Impressionism and to the work of van Gogh, who had been a friend of Russell but was completely unknown at the time. Matisse's style changed completely, and he would later say "Russell was my teacher, and Russell explained colour theory to me."[11] In 1896 Matisse exhibited five paintings in the salon of the Société Nationale des Beaux-Arts, two of which were purchased by the state.[13]
With the model Caroline Joblau, he had a daughter, Marguerite, born in 1894. In 1898 he married Amélie Noellie Parayre; the two raised Marguerite together and had two sons, Jean (born 1899) and Pierre (born 1900). Marguerite and Amélie often served as models for Matisse.[14]
In 1898, on the advice of Camille Pissarro, he went to London to study the paintings of J. M. W. Turner and then went on a trip to Corsica.[15] Upon his return to Paris in February 1899, he worked beside Albert Marquet and met André Derain, Jean Puy,[16] and Jules Flandrin.[17] Matisse immersed himself in the work of others and went into debt from buying work from painters he admired. The work he hung and displayed in his home included a plaster bust by Rodin, a painting by Gauguin, a drawing by van Gogh, and Cézanne's Three Bathers. In Cézanne's sense of pictorial structure and colour, Matisse found his main inspiration.[16]
Many of Matisse's paintings from 1898 to 1901 make use of a Divisionist technique he adopted after reading Paul Signac's essay, "D'Eugène Delacroix au Néo-impressionisme".[15] His paintings of 1902–03, a period of material hardship for the artist, are comparatively somber and reveal a preoccupation with form. Having made his first attempt at sculpture, a copy after Antoine-Louis Barye, in 1899, he devoted much of his energy to working in clay, completing The Slave in 1903.[18]
[edit]Early paintings

Blue Pot and Lemon (1897), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Fruit and Coffeepot (1898), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Vase of Sunflowers (1898), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Crockery on a Table (1900), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia

[edit]Fauvism

Main article: Fauvism


Woman with a Hat, 1905. San Francisco Museum of Modern Art
Fauvism as a style began around 1900 and continued beyond 1910, the movement as such lasted only a few years, 1904–1908, and had three exhibitions.[19][20] The leaders of the movement were Matisse and André Derain.[19] Matisse's first solo exhibition was at Ambroise Vollard's gallery in 1904,[16] without much success. His fondness for bright and expressive colour became more pronounced after he spent the summer of 1904 painting in St. Tropez with the neo-Impressionists Signac and Henri Edmond Cross.[15] In that year he painted the most important of his works in the neo-Impressionist style, Luxe, Calme et Volupté.[15] In 1905 he travelled southwards again to work with André Derain at Collioure. His paintings of this period are characterized by flat shapes and controlled lines, and use pointillism in a less rigorous way than before.
In 1905, Matisse and a group of artists now known as "Fauves" exhibited together in a room at the Salon d'Automne. The paintings expressed emotion with wild, often dissonant colours, without regard for the subject's natural colours. Matisse showed Open Window and Woman with the Hat at the Salon. Critic Louis Vauxcelles described the work with the phrase "Donatello parmi les fauves!" (Donatello among the wild beasts), referring to a Renaissance-type sculpture that shared the room with them.[21] His comment was printed on 17 October 1905 in Gil Blas, a daily newspaper, and passed into popular usage.[19][21] The exhibition garnered harsh criticism—"A pot of paint has been flung in the face of the public", said the critic Camille Mauclair—but also some favourable attention.[21] When the painting that was singled out for special condemnation, Matisse's Woman with a Hat, was bought by Gertrude and Leo Stein, the embattled artist's morale improved considerably.[21]


Les toits de Collioure, 1905, oil on canvas, The Hermitage, St. Petersburg, Russia
Matisse was recognized as a leader of the Fauves, along with André Derain; the two were friendly rivals, each with his own followers. Other members were Georges Braque, Raoul Dufy and Maurice de Vlaminck. The Symbolist painter Gustave Moreau (1826–1898) was the movement's inspirational teacher; as a professor at the École des Beaux-Arts in Paris, he pushed his students to think outside of the lines of formality and to follow their visions.
In 1907 Apollinaire, commenting about Matisse in an article published in La Falange, said, "We are not here in the presence of an extravagant or an extremist undertaking: Matisse's art is eminently reasonable."[22] But Matisse's work of the time also encountered vehement criticism, and it was difficult for him to provide for his family.[11] His controversial 1907 painting Nu bleu was burned in effigy at the Armory Show in Chicago in 1913.[23]
The decline of the Fauvist movement after 1906 did nothing to affect the rise of Matisse; many of his finest works were created between 1906 and 1917, when he was an active part of the great gathering of artistic talent in Montparnasse, even though he did not quite fit in, with his conservative appearance and strict bourgeois work habits. He continued to absorb new influences: he traveled to Algeria in 1906 studying African art and Primitivism; after viewing a large exhibition of Islamic art in Munich in 1910, he spent two months in Spain studying Moorish art. He visited Morocco in 1912 and again in 1913 and while painting in Tangiers he made several innovative changes to his work, including his use of black as a colour.[24][25][26] The effect on Matisse's art was a new boldness in the use of intense, unmodulated colour, as in L'Atelier Rouge (1911).[15]
Matisse had a long association with the Russian art collector Sergei Shchukin. He created one of his major works La Danse specially for Shchukin as part of a two painting commission, the other painting being Music, 1910. An earlier version of La Danse (1909) is in the collection of The Museum of Modern Art in New York City.
[edit]Gertrude Stein, Académie Matisse, and the Cone sisters



Henri Matisse in Paris, August 13, 1913. Photo by Carl Van Vechten


The Dessert: Harmony in Red, 1908, Hermitage Museum, Saint Petersburg
Around April 1906 he met Pablo Picasso, who was 12 years younger than Matisse.[11] The two became lifelong friends as well as rivals and are often compared; one key difference between them is that Matisse drew and painted from nature, while Picasso was much more inclined to work from imagination. The subjects painted most frequently by both artists were women and still life, with Matisse more likely to place his figures in fully realized interiors. Matisse and Picasso were first brought together at the Paris salon of Gertrude Stein and her companion Alice B. Toklas. During the first decade of the 20th century, Americans in Paris— Gertrude Stein, her brothers Leo Stein, Michael Stein and Michael's wife Sarah—were important collectors and supporters of Matisse's paintings. In addition Gertrude Stein's two American friends from Baltimore, the Cone sisters Clarabel and Etta, became major patrons of Matisse and Picasso, collecting hundreds of their paintings. The Cone collection is now exhibited in the Baltimore Museum of Art.[27]
While numerous artists visited the Stein salon, many of these artists were not represented among the paintings on the walls at 27 Rue de Fleurus. Where Renoir, Cézanne, Matisse, and Picasso's works dominated Leo and Gertrude Stein's collection, Sarah Stein's collection emphasized Matisse.[28]
Contemporaries of Leo and Gertrude Stein, Matisse and Picasso became part of their social circle and routinely joined the gatherings that took place on Saturday evenings at 27 Rue de Fleurus. Gertrude attributed the beginnings of the Saturday evening salons to Matisse, remarking:
More and more frequently, people began visiting to see the Matisse paintings—and the Cézannes: "Matisse brought people, everybody brought somebody, and they came at any time and it began to be a nuisance, and it was in this way that Saturday evenings began."[29]
Among Pablo Picasso's acquaintances who also frequented the Saturday evenings were: Fernande Olivier (Picasso's mistress), Georges Braque, André Derain, the poets Max Jacob and Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin (Apollinaire's mistress and an artist in her own right), and Henri Rousseau.[30]
His friends organized and financed the Académie Matisse in Paris, a private and non-commercial school in which Matisse instructed young artists. It operated from 1907 until 1911. Hans Purrmann and Sarah Stein were amongst several of his most loyal students.
[edit]Selected paintings: Paris, 1901–1917


Luxembourg Gardens (1901), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Dishes and Fruit (1901), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



A Glimpse of Notre-Dame in the Late Afternoon (1902), Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York



Luxe, Calme et Volupté, 1904, Musée National d'Art Moderne.



Open Window, Collioure, 1905, National Gallery of Art, Washington, DC.



Portrait of Madame Matisse (The green line), 1905, Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark



Le bonheur de vivre, 1905–6, Barnes Foundation, Merion, PA



Self-Portrait in a Striped T-shirt 1906, Statens Museum for Kunst, Copenhagen, Denmark



The Young Sailor II, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York City



Vase, Bottle and Fruit (1906), Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Blue Nude (Souvenir de Biskra), 1907, Baltimore Museum of Art



Madras Rouge, 1907, Barnes Foundation



Bathers with a Turtle, 1908, Saint Louis Art Museum, St. Louis



Game of Bowls, 1908, Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



The Dance (first version), 1909, The Museum of Modern Art, New York City



The Dance (second version), 1910, Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Music, 1910, Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia



Still Life with Geraniums, 1910, Pinakothek der Moderne, Munich, Germany



L'Atelier Rouge, 1911, oil on canvas, 162 × 130 cm., The Museum of Modern Art, New York City



The Conversation, c.1911, The Hermitage, St. Petersburg, Russia



Le Rifain assis, 1912–13, 200 × 160 cm. Barnes Foundation, Merion, PA



Zorah on the Terrace, 1912, oil on canvas, 116 × 100 cm., The Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow, Russia



Window at Tangier, 1912, The Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow



Woman on a High Stool, 1914, Museum of Modern Art, New York City



View of Notre-Dame, 1914, Museum of Modern Art



French Window at Collioure, 1914. Centre Georges Pompidou, Paris



The Yellow Curtain, 1915, Museum of Modern Art New York City



The Painter and His Model, oil on canvas, 1917, Museum of Modern Art, Paris

[edit]After Paris



Odalisque with Arms Raised, 1923, National Gallery of Art, Washington, DC.


The Back Series, bronze, left to right: The Back I, 1908–09, The Back II, 1913, The Back III 1916, The Back IV, c. 1931, all Museum of Modern Art, New York City
In 1917 Matisse relocated to Cimiez on the French Riviera, a suburb of the city of Nice. His work of the decade or so following this relocation shows a relaxation and a softening of his approach. This "return to order" is characteristic of much art of the post-World War I period, and can be compared with the neoclassicism of Picasso and Stravinsky, and the return to traditionalism of Derain. His orientalist odalisque paintings are characteristic of the period; while this work was popular, some contemporary critics found it shallow and decorative.
In the late 1920s Matisse notably once again engaged in active collaborations with other artists. He worked with not only Frenchmen, Dutch, Germans, and Spanish, but also a few Americans and recent American immigrants.
After 1930 a new vigor and bolder simplification appeared in his work. American art collector Albert C. Barnes convinced him to produce a large mural for the Barnes Foundation, The Dance II, which was completed in 1932. The Foundation owns several dozen other Matisse paintings.
[edit]The cutouts

He and his wife of 41 years separated in 1939. In 1941, he underwent surgery in which a colostomy was performed. Afterwards he started using a wheelchair, and until his death he was cared for by a Russian woman, Lydia Delektorskaya, formerly one of his models. With the aid of assistants he set about creating cut paper collages, often on a large scale, called gouaches découpés. His Blue Nudes series feature prime examples of this technique he called "painting with scissors"; they demonstrate the ability to bring his eye for colour and geometry to a new medium of utter simplicity, but with playful and delightful power.
Matisse, thoroughly unpolitical, was shocked when he heard that his daughter Marguerite, who had been active in the Résistance during the war, was tortured (almost to death) in a Rennes prison and sentenced to the Ravensbrück concentration camp.[10] (Marguerite avoided further imprisonment by escaping from the Ravensbrück-bound train, which was halted during an Allied air strike; she survived in the woods until rescued by fellow resisters.[31])
Matisse's student Rudolf Levy was killed in the Auschwitz concentration camp in 1944.[32][33]
In 1947 he published Jazz, a limited-edition book containing prints of colorful paper cut collages, accompanied by his written thoughts. In the 1940s he also worked as a graphic artist and produced black-and-white illustrations for several books and over one hundred original lithographs at the Mourlot Studios in Paris.


Cover of Jazz (1947)


The Snail, 1953, Gouache on paper, cut and pasted, on white paper, 287 cm × 288 cm (112¾ × 108 inches), Tate Gallery, London
Jazz 1947, artist's book of about one hundred prints based on paper cutouts by Henri Matisse. Tériade, a noted 20th century art publisher, arranged to have Matisse's cutouts rendered as pochoir (stencil) prints.
Matisse was much admired and repeatedly referred to by the Greek Nobelist poet Odysseas Elytis. Elytis was introduced to Matisse through their common friend Tériade, during the work on the Cutouts. Matisse had painted the wall of the dining room of Tériade's residence, the Villa Natacha in Saint-Jean-Cap-Ferrat, which Elytis also mentioned in his poems.

Henri Matisse, cutouts gallery in Centre Pompidou-Metz, Metz.



The Knife Thrower, 1947, from Jazz, print from paper collage



Beasts of the Sea, 1950, paper collage on canvas, collection of the National Gallery of Art, Washington, DC.



Black Leaf on Green Background, 1952, gouache découpée, The Menil Collection, Houston, Texas



Blue Nude II, 1952, gouache découpée, Pompidou Centre, Paris



La Négresse, 1952/1953, Lithograph after a gouache découpée, Pompidou Centre, Paris



The Sorrows of the King, 1952, Gouache on paper and canvas, Pompidou Centre, Paris



Le Bateau 1953, Gouache on cut paper, The Museum of Modern Art, New York City

[edit]Last years



Tombstone of Henri Matisse and his wife Noellie, cemetery of the Monastère Notre Dame de Cimiez, Cimiez, France


The Plum Blossoms, 1948, Museum of Modern Art, New York City
In 1951 Matisse finished a four-year project of designing the interior, the glass windows and the decorations of the Chapelle du Rosaire de Vence, often referred to as the Matisse Chapel. This project was the result of the close friendship between Matisse and Sister Jacques-Marie.[34] He had hired her as a nurse and model in 1941 before she became a Dominican nun and they met again in Vence and started the collaboration, a story related in her 1992 book Henri Matisse: La Chapelle de Vence and in the 2003 documentary "A Model for Matisse".[35]
He established a museum dedicated to his work in 1952, in his birthplace city, and this museum is now the third-largest collection of Matisse works in France.
According to David Rockefeller, Matisse's final work was the design for a stained-glass window installed at the Union Church of Pocantico Hills near the Rockefeller estate north of New York City. "It was his final artistic creation; the maquette was on the wall of his bedroom when he died in November of 1954", Rockefeller writes. Installation was completed in 1956.[36]
Matisse died of a heart attack at the age of 84 in 1954. He is interred in the cemetery of the Monastère Notre Dame de Cimiez, near Nice.
[edit]Legacy

The first painting of Matisse acquired by a public collection was Still Life with Geraniums (1910), exhibited in the Pinakothek der Moderne.[37]
The Plum Blossoms, a 1948 painting by Henri Matisse, was purchased on 8 September 2005, for the Museum of Modern Art by Henry Kravis and the new president of the museum, Marie-Josée Drouin. Estimated price was US $25 million. Previously, it had not been seen by the public since 1970.[38] In 2002, a Matisse sculpture, Reclining Nude I (Dawn), sold for US $9.2 million, a record for a sculpture by the artist.
Matisse's daughter Marguerite often aided Matisse scholars with insights about his working methods and his works. She died in 1982 while compiling a catalog of her father's work.[39]
Matisse's son, Pierre Matisse, (1900–1989) opened an important modern art gallery in New York City during the 1930s. The Pierre Matisse Gallery which was active from 1931 until 1989 represented and exhibited many European artists and a few Americans and Canadians in New York often for the first time. He exhibited Joan Miró, Marc Chagall, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, André Derain, Yves Tanguy, Le Corbusier, Paul Delvaux, Wifredo Lam, Jean-Paul Riopelle, Balthus, Leonora Carrington, Zao Wou Ki, Sam Francis, sculptors Theodore Roszak, Raymond Mason and Reg Butler, and several other important artists, including the work of Henri Matisse.[40][41]
Henri Matisse's grandson, Paul Matisse, is an artist and inventor living in Massachusetts. Matisse's great-granddaughter Sophie Matisse is active as an artist as of 2010. Les Heritiers Matisse functions as his official Estate. The U.S. copyright representative for Les Heritiers Matisse is the Artists Rights Society.[42]
[edit]Partial list of works

Main article: List of works by Henri Matisse

Woman Reading (1894), Musée National d'Art Moderne Paris
Le Mur Rose (1898), Musée National d'Art Moderne
Notre-Dame, une fin d'après-midi (1902), Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York
Green Stripe (1905)
The Open Window (1905)
Woman with a Hat (1905)
Les toits de Collioure (1905)
Landscape at Collioure (1905)
Le bonheur de vivre (1906)
The Young Sailor II (1906)
Self-Portrait in a Striped T-shirt (1906)
Madras Rouge (1907)

Blue Nude (Souvenir de Biskra) (1907), Baltimore Museum of Art
The Dessert: Harmony in Red (The Red Room) (1908)
Bathers with a Turtle (1908), Saint Louis Art Museum, Missouri
La Danse (1909)
Still Life with Geraniums (1910)
L'Atelier Rouge (1911)
The Conversation (1908–1912)
Zorah on the Terrace (1912)
Le Rifain assis (1912)
Window at Tangier (1912)
Le rideau jaune (the yellow curtain) (1915)
The Window (1916), Detroit Institute of Arts, Michigan

La leçon de musique (1917)
The Painter and His Model (1917)
Interior A Nice (1920)
Odalisque with Raised Arms (1923), National Gallery of Art, Washington, D.C.
Yellow Odalisque (1926)
The Dance II (1932), triptych mural (45 ft by 15 ft) in the Barnes Foundation of Philadelphia
Robe violette et Anémones (1937)
Woman in a Purple Coat (1937)
Le Rêve de 1940 (the dream of 1940) (1940)
La Blouse Roumaine (1940)
Le Lanceur De Couteaux (1943)
Annelies, White Tulips and Anemones (1944), Honolulu Museum of Art

L'Asie (1946)
Deux fillettes, fond jaune et rouge (1947)
Jazz (1947)
The Plum Blossoms (1948)
Chapelle du Saint-Marie du Rosaire (1948–1951)
Beasts of the Sea (1950)
The Sorrows of the King (1952)
Black Leaf on Green Background (1952)
La Négresse (1952)
Blue Nude II (1952)
The Snail (1953)
Le Bateau (1954) This gouache created a minor stir when the MoMA mistakenly displayed it upside-down for 47 days in 1961.[43]
[edit]Portrayal in media and literature

[edit]Film dramatizations
Veteran US actor Al Pacino is to play Henri Matisse in an upcoming film called "Masterpiece," about the pioneering French artist and his relationship with his nurse and model Monique Bourgeois.[44] It will be directed by Deepa Mehta, whose previous work includes 2003's Bollywood Hollywood and Water in 2006.
Matisse also appears briefly, among other artists, in Midnight in Paris.
[edit]Books/Essays

Notes of a Painter,1908
Painter's Notes on Drawing,1930.
Jazz, 1947
Matisse on Art, collected by Jack D. Flam, 1973. ISBN 0-7148-1518-7
[edit]Notes

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[edit]Resources

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Alastair Wright. Matisse and the Subject of Modernism Princeton, Princeton University Press, 2006. ISBN 0-691-11830-2.
Authority control: VIAF: 42630086
[edit]Further reading

Nancy Marmer, "Matisse and the Strategy of Decoration," Artforum, March 1966, pp. 28–33.
[edit]External links

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Artchive
Artists Rights Society, Matisse's U.S. Copyright Representatives
Dance (I) in the MoMA Online Collection
Flam, Jack. Matisse in the Cone Collection, Baltimore Museum of Art, 2001 ISBN 0-912298-73-1
Footage of Henri Matisse in Vence, France working on the New Chapel of Vence
Henri Matisse Gallery at MuseumSyndicate
Henri Matisse: Life and Work 500 hi-res images
Hillary Spurling, Matisse's pajamas, online article
Matisse and Rodin
Matisse at Statens Museum for Kunst ("The Danish National Gallery")
Matisse's ‘Bathers by the River’ – interactive slideshow by The New York Times
Matisse-Picasso
Matisse: Radical Invention NPR, audio
Henri Matisse at the Museum of Modern Art
Musée Matisse Nice
The Dance II. 1932. The Barnes Foundation, Merion Station
The Morozov-Shchukin collection
The nude in Matisse
Union List of Artist Names, Getty Vocabularies. ULAN Full Record Display for Henri Matisse. Getty Vocabulary Program, Getty Research Institute. Los Angeles, California.
Gelett Burgess, The Wild Men of Paris, Matisse, Picasso and Les Fauves, 1910
[show] v t e
Henri Matisse
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Fauvism
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قس فرانسه
Henri Matisse (Henri Émile Benoît Matisse), né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le 3 novembre 1954 à Nice, est un artiste-peintre, dessinateur et sculpteur français.
Il fut le chef de file du fauvisme ; Pablo Picasso le considérait comme son grand rival et néanmoins ami1.
Sommaire [masquer]
1 Biographie
1.1 Sa jeunesse
1.2 L'artiste
2 Les références à Matisse
3 Ses principales œuvres
4 Bibliographie
5 Liens externes
6 Notes et références
Biographie[modifier]

Sa jeunesse[modifier]
Henri Matisse est né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis en France, fils d’un marchand de grains. Sa mère était peintre amateur. Après la guerre franco-allemande en 1871 la famille déménage à Bohain-en-Vermandois où Matisse passe sa jeunesse. Il commence sa vie professionnelle comme clerc de Maître du Conseil à Saint-Quentin. À 20 ans, à la suite d'une crise d'appendicite, il est contraint de rester alité pendant de longues semaines. Léon Bouvier qui a épousé la sœur de son ami, voisin de son domicile, (Léon Vassaux) peint à ses heures, et présente à Matisse ses premières œuvres. Plus particulièrement un Chalet suisse, chromo reproduit dans les boîtes de peinture en vente à l'époque. Henri Matisse en peindra une copie, qu'il signera « essitam ». Où est cette œuvre, personne ne le sait, mais le Chalet suisse peint par Léon Bouvier est toujours dans une collection privée. Parce qu'il est séduit par la peinture, sa mère lui offre une boîte de peinture. Il découvre alors le plaisir de peindre.
Dès son rétablissement, tout en réintégrant l'étude, il s'inscrit au cours de dessin de l'école Quentin-de-La Tour destinée aux dessinateurs en textile de l'industrie locale.
L'artiste[modifier]


Signature de Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au « Salon des Cent » et au Salon de la Société nationale des beaux-arts dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'australien John Peter Russell qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg.
En 1894, naît sa fille Marguerite (d'un de ses modèles nommé Caroline Joblau). C'est à l'occasion de son voyage de noces que Matisse débarque en Corse le 8 février 1898 accompagné de sa jeune épouse Amélie Parayre ; née en 1872, elle est âgée de 25 ans ; ils auront deux enfants, Jean en 1899 et Pierre en 1900. Au cours de son séjour à Ajaccio qui dure jusqu'en juillet, il habite dans une villa dont il a loué le dernier étage meublé à un certain de la Rocca. Henri Matisse peint à Ajaccio une cinquantaine de toiles dont « le mur rose » qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la villa "de la Rocca". Il passe une semaine à Londres où, sur les conseils de Pissarro, il découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner. En séjour à Toulouse, il expérimente la méthode de Turner. À partir de 1900, Matisse travaille à l'Académie de la Grande Chaumière sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain qui lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des Indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903). Il expose en 1904 chez Ambroise Vollard.
Au début de 1905, il présente une importante exposition particulière chez Bernheim-Jeune et participe au Salon des Indépendants. L'été de 1905, il séjourne à Collioure en compagnie de Derain. Au Salon d'automne de 1905, l'accrochage des œuvres de Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain et Kees Van Dongen provoque un scandale par les couleurs pures et violentes posées en aplat sur leurs toiles. À la vue de ces tableaux regroupés dans une même salle, le critique Louis Vauxcelles compare l'endroit à une « cage aux fauves ». L'appellation de « fauve » est aussitôt adoptée et revendiquée par les peintres eux-mêmes. Cette période marque également la reconnaissance de son travail, lui permettant enfin une relative aisance matérielle. Matisse devient le chef de file du fauvisme. La même année, il rencontre Edmond-Marie Poullain.
Il entreprend de nombreux voyages qui seront autant de sources d'inspiration : Algérie, Italie, Allemagne, Maroc, Russie, Espagne, États-Unis et Tahiti.
En 1908, Matisse ouvre une académie libre (au couvent des Oiseaux, puis à l'hôtel de Biron) où se pressent les étudiants étrangers. L'académie ferme en 1911.
Entre 1908 et 1912, ses œuvres sont exposées à Moscou, Berlin, Munich et Londres ; Matisse et Amélie reviendront à Ajaccio en décembre 1912. En 1913, Matisse est exposé à l’Armory Show de New York à côté d'œuvres de Marcel Duchamp et Francis Picabia, comme autant de représentants de l'art le plus moderne qui soit.
Dès le déclenchement de la Première Guerre mondiale, il quitte Collioure qu'il fréquentait régulièrement depuis 1905. Après avoir passé une partie de l'hiver 1916-1917 à Nice, Matisse décide de rester plus longuement sur la Côte d'Azur, qu'il considère comme un paradis, et dont il recherche la transcription dans ses toiles. Durant cette période, Matisse rencontre le peintre japonais Yoshio Aoyama, qui vivait aussi à Nice, dans le quartier de Cimiez, et qui devient son disciple. Selon Matisse, Aoyama était un maître de la couleur, créant le terme Aoyama blue. En 1919, il reçoit la commande d'Igor Stravinski et Serge Diaghilev pour dessiner les costumes et les décors du ballet Le Chant du rossignol présenté à Londres.
En 1925, Matisse est nommé chevalier de la Légion d'honneur.
À New York, on organise une rétrospective (1929). Pendant son séjour aux États-Unis, Albert Barnes, le collectionneur, lui commande une œuvre monumentale pour sa fondation à Philadelphie. À son retour à Nice, dans l'atelier de la rue Désiré Niel loué spécialement pour cette réalisation, Matisse s'attellera à la Danse dont il réalisera de 1930 à 1933, trois versions en raison d'erreurs de gabarit. La première version inachevée a été retrouvée après sa mort dans son appartement à Nice. Elle est exposée en présentation définitive avec la deuxième version, la Danse de Paris (1037 x 450 cm), dans la salle Matisse du musée d'art moderne de la ville de Paris. La dernière version dite la Danse de Mérion a été installée par Matisse lui-même, en mai 1933, à la fondation Barnes de Philadelphie. C'est au décours de ce travail que Matisse inventa les « gouaches découpées ».
Il travaille à l'illustration du roman de James Joyce, Ulysse, et aux décors et aux costumes de Rouge et noir pour les Ballets russes de Monte-Carlo (1934-1938).
En 1941, atteint d'un cancer, il est hospitalisé à la clinique du Parc de Lyon. Ses médecins lui donnent six mois à vivre. S'il ne peut plus voyager, il utilise alors les étoffes ramenées de ses voyages pour habiller ses modèles originaires du monde entier. Son infirmière, Monique Bourgeois accepte d'être son modèle. Matisse utilise la technique des gouaches découpées et commence la série Jazz.
Il s'installe à Vence et renoue une amitié épistolaire assidue avec le dessinateur et écrivain André Rouveyre, connu à l'atelier de Gustave Moreau2.
En avril 1944, Marguerite Matisse, sa fille, ainsi qu’Amélie son épouse, sont arrêtées par la Gestapo, pour faits de résistance. Madame Amélie Matisse reste six mois en prison, tandis que Marguerite Matisse, fille du peintre, parvient à s'enfuir à Belfort du train de déportation qui l'emmenait dans un camp. Elle est recueillie dans un premier temps par la famille de Léon Delarbre, peintre résistant et déporté, connu pour avoir réussi à ramener avec lui des dessins réalisés dans les camps d'extermination (musée de la Résistance à Besançon). Marguerite Matisse est ensuite prise en charge par la Croix-Rouge qui la cache au sein de la famille Bruno de Giromagny, et libérée le 6 octobre 1945. Sous le coup d'une émotion intense, Henri Matisse dessine de nombreux portraits de sa fille dont le dernier de la série montre un visage enfin apaisé3.
En 1945, une grande rétrospective est organisée au Salon d'Automne. Il réalise les cartons de tapisserie Polynésie, le Ciel et Polynésie, la Mer (1946) et commence à travailler à partir de 1949 au décor de la chapelle du Rosaire de Vence4.
En 1952 a lieu l'inauguration du musée Matisse du Cateau-Cambrésis, sa ville natale.
Il réalise la gouache découpée La Tristesse du roi, tableau « plus proche même de la peinture classique que Matisse ne l'a jamais été..., son dernier autoportrait..., le portrait d'un vieillard ».


Tombe de Matisse et de sa femme au cimetière de Cimiez, à Nice (le prénom de son épouse est erroné, il a été remplacé depuis par AMELIE).
Henri Matisse meurt le 3 novembre 1954 à Nice et est enterré dans cette ville, au cimetière de Cimiez.
Son fils, Pierre Matisse fut un important et influent marchand d'art installé au Fuller Building de New York.
En 1963, le musée Matisse de Nice ouvre ses portes à son tour.
Connu et reconnu de son vivant, la cote de Matisse n'a cessé depuis de monter ainsi que le montre en 2009 la valeur historique de 32 millions d'euros atteinte par Les Coucous, tapis bleu et rose, œuvre mise en vente dans le cadre de la vente Bergé/Yves Saint-Laurent à Paris5.
Les références à Matisse[modifier]

Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Newman, Marg Moll, Oskar Moll, Hans Purrmann, ... Tous ont partagé une même vénération pour Matisse. La confrontation des collections du musée de sa ville natale avec des œuvres de ces génies de l'abstraction met en valeur cette filiation. Tout au long de son œuvre Matisse travaille la sculpture afin de perfectionner son approche de la ligne. Avec la série des Nus de dos qui s'étend de 1909 à 1930, il affronte tour à tour les problèmes picturaux qu'il rencontre : le tracé des figures monumentales (la réalisation de Nu de dos I, 1909, est contemporaine de celle des grandes compositions La Musique et La Danse), le rapport forme et fond (les fresques destinées à la Fondation Barnes sont réalisées en 1930 comme Nu de dos IV).
Toutefois, bien que la série ne semble pas avoir été conçue pour être présentée en une seule entité (la fonte des pièces en bronze n'a été faite qu'après la mort de Matisse), ces quatre sculptures constituent un ensemble plastique.
« Matisse était un artiste au sens médiéval du terme. Par un travail très simple, il cherchait à exprimer ce qu'il sentait au-dedans de lui. C'était un travailleur acharné. J'ai vu des cahiers entiers, des centaines de pages sur lesquelles il avait simplement dessiné une feuille de chêne. (…) Finalement, quelques traits signifient la feuille de manière évidente. Elle est reconnaissable par tous, mais elle est l'aboutissement d'heures et d'heures de travail. »
— Régine Pernoud, Histoire et lumière, Cerf, 1998, p.51-52. (ISBN 2-204-05932-3)
La sculpture "Nu de dos IV" a été vendue aux enchères chez Christie's à New York pour près de $49 millions (environ 35 millions € avec les frais6), elle devient ainsi la 4e sculpture la plus chère vendue aux enchères, après Alberto Giacometti et Amedeo Modigliani7
Ses principales œuvres[modifier]

Nature morte au pichet, vers 1896-1897, musée Malraux, Le Havre
Le Mur rose (de l'hôpital d'Ajaccio), 1897-1898, Centre Pompidou MNR, Paris. Ce tableau, disparu en 1914, a été retrouvé en 1948 dans une cache de l'ancien SS Kurt Gerstein, près de Tübingen8.
Luxe, Calme et Volupté, 1904, musée d'Orsay, Paris
La Femme au chapeau, 1905, Museum of Modern Art, San Francisco
Le Bonheur de vivre, 1905-1906, Barnes Fondation, Merion
Portrait de Madame Matisse, dit La Raie verte, 1905, Statens Museum for Kunst, Copenhague
La Desserte rouge, 1908, sa version originelle était en bleue mais fut livrée en rouge au collectionneur moscovite Sergueï Chtchoukine
La Joie de vivre, 1908
La Danse et La Musique, pour le collectionneur moscovite Sergei Shchukin, 1909-1910, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg
Nature morte au géranium, 1910, Pinakothek der Moderne, Munich
L'Intérieur aux aubergines, 1911, musée de Grenoble
L'Atelier rouge, 1911, New York, MOMA
La Porte de la casbah, 1912, musée Pouchkine, Moscou, 116×90 cm
Porte-fenêtre à Collioure, 1914, musée national d'art moderne, Paris
La Fenêtre, 1916, Institute of Arts, Détroit
Les Demoiselles à la rivière, 1916-1917, Art Institute of Chicago, Chicago
Portrait d'Auguste Pellerin, 1917, musée national d'art moderne, Paris
La Fenêtre ouverte à Nice, 1919, musée Albert-André, Bagnols-sur-Cèze
Intérieur à la boîte à violon, 1919, musée d'art moderne de New York
Paysage ou Rue dans le Midi, 1919, musée des beaux-arts André-Malraux, Le Havre
Femme assise, le dos tourné vers la fenêtre ouverte vers 1922, huile sur toile, musée des beaux-arts de Montréal, Montréal
Figure décorative sur fond ornemental, 1927, musée national d'art moderne, Paris
la Danse de Mérion (dite) 1933 triptyque 1037 × 450 cm. Deux versions exposées en permanence au musée d'art moderne de la Ville de Paris, la version finale est installée à Mérion dans la Fondation Barnes (Philadelphie) aux États-Unis
Tahiti II, 1935-1936, musée Matisse - Le Cateau-Cambrésis
Grand nu couché 1935 Huile sur toile, 66x93 cm. Baltimore Museum of art
Deux jeunes filles, robe jaune, robe écossaise, 1941, musée Matisse - Le Cateau-Cambrésis
L'Asie, 1946, Kimbell Art Museum, Fort Worth
Nu bleu I, 1952, Fondation Beyeler, Bâle
La Tristesse du roi, Centre Pompidou, musée national d'art moderne, Paris
Vigne, 1953, musée Matisse - Le Cateau-Cambrésis
Odalisque gris et jaune vendu 14,7M$ en 2007
Danseuse dans le fauteuil, sol en damier mise aux enchères en juin 2007.
Vue de Collioure, 1906, musée de l'Ermitage. « Nous étions alors (durant l'été 1905,à Collioure avec Derain) devant la nature comme des enfants et laissions parler notre tempérament, quitte à peindre de chic quand on ne se servait pas de la nature elle-même. J'abîmais tout par principe et travaillais comme je sentais, rien que par la couleur » Henri Matisse.[réf. nécessaire]
La chapelle du Rosaire de Vence, qui est une œuvre architecturale qu'il considérait comme son chef-d’œuvre, réalisé sur la fin de sa vie et synthétisant toute sa recherche artistique.
L'œuvre comprend également d'importantes séries de sculptures tirées en bronze (bustes de Jeannette, 1910-1913 ; quatre Nus de dos, bas reliefs, 1909-1930), près de 500 pièces gravées (eaux-fortes, bois, lithographies), des illustrations de livres : Poésies de Mallarmé (1932), Lettres de la religieuse portugaise (1946), Florilège des Amours de Ronsard (1948).
Bibliographie[modifier]

Gaston Diehl, Henri Matisse Matisse, Publié par Hyperion Press, 1953, 47 pages
Henri Matisse, Écrits et propos sur l'art, texte, notes et index établis par Dominique Fourcade, Hermann, 1972
nombreuses rééditions
(fr) Claudine Grammont, Matisse-Marquet, correspondance, 1890-1908, Lausanne, La Bibliothèque des Arts, 2008, 216 p. (ISBN 2884531483)Paris
(fr) Claudine Grammont, Correspondances entre Charles Camoin et Henri Matisse, Lausanne, La Bibliothèque des Arts, 2001, 130 p. (ISBN 2884530371)Paris
Henri-Matisse, Elie Faure, Jules Romains, Charles Vildrac, Henri Matisse, Publié par G. Crès, 1920, 1975 48 pages
Lawrence Gowing Matisse, Publié par Oxford University Press, 1979, (ISBN 0-19-520157-4 et 9780195201574)
Françoise Gilot Matisse et Picasso Publié par Éditions Robert Laffont, Paris, 1991 (ISBN 2-264-04328-8) 352 pages
Jean Guichard-Meili, Henri Matisse: Matisse, publié par Club France Loisirs, 1986 (ISBN 2-7242-2982-7 et 9782724229820)
Gilles Néret, Matisse, Taschen 1997 (ISBN 3-8228-8276-3 et 978-382288276-4) 256 pages,
nombreuses rééditions
Barnes Foundation, De Cézanne à Matisse : chefs-d'œuvre de la Fondation Barnes, publié par Gallimard/Electa, 1993 (ISBN 2-07-015014-3 et 9782070150144) 317 pages
Henri Matisse, André Rouveyre, Hanne Finsen, Matisse Rouveyre : correspondance, publié par Flammarion, 2001 (ISBN 2-08-010183-8 et 9782080101839) 667 pages
René Percheron Christian Brouder, Matisse de la couleur à l'architecture, Citadelles et Mazenod 2002 (ISBN 2-85088-182-1)
Jacqueline Duhême. Petite main chez Henri Matisse. Paris : Gallimard jeunesse, 2009, 64 p. (ISBN 978-2-07-062047-0)
Hilary Spurling, Matisse inconnu 1869/1908 biographie, Seuil avril 2001 pour la traduction française, original 1998 Hilary Spurling, 510 p. (ISBN 978-2-02-034987-1)
Hilary Spurling, Matisse le maître 1909/1954 biographie, Seuil février 2009 pour la traduction française, original 2005 Hilary Spurling,570 p. (ISBN 978-2-02-034988-8)
Dictionnaire Bénézit, Dictionnaire critique et documentaire des peintres,sculpteurs, dessinateurs et graveurs de tous les temps et de tous les pays, vol. 9, éditions Gründ, janvier 1999, 13440 p. (ISBN 2700030192), p. 357-363
Louis Aragon : Henri Matisse, roman, Gallimard, 1971
Liens externes[modifier]

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Henri Matisse, sur Wikimedia Commons Henri Matisse, sur Wikiquote
Musée Matisse de Nice
Musée Matisse du Cateau-Cambrésis
Matisse au Centre Pompidou
Œuvres de Henri Matisse (domaine public au Canada)
Notes et références[modifier]

↑ Jack D. Flam, Matisse and Picasso: the story of their rivalry and friendship, Westview, 2004, (ISBN 0-8133-9046-X et 9780813390468), 296 p.
↑ Leur correspondance représente plus de 1 200 lettres - Matisse - Rouveyre : correspondance, par Henri Matisse, André Rouveyre, Hanne Finsen, Flammarion, 2001, (ISBN 2080101838 et 9782080101839)
↑ Louis Aragon, Henri Matisse, roman Gallimard 1971 ; Dominique Walter, Évadée dans les rues de Belfort, Éd. Minoteur 2001.
↑ Henri Matisse, Marie-Alain Couturier, Louis-Bertrand Rayssiguier, Marcel Billot, La Chapelle de Vence : journal d'une création, A. Skira, 1993, 477 pages (ISBN 9782204045513)
↑ http://tempsreel.nouvelobs.com/depeches/culture/20090223.FAP6667/vente_saint_laurentberge_un_matisse_a_32_millions_deuro.html [archive]
↑ [1] [archive] Résultat de vente "Nu de Dos IV"
↑ [2] [archive] Les sculptures les plus chères vendues aux enchères
↑ Henri Matisse, Le Mur rose [archive], catalogue « Musées nationaux récupération ».
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قس آلمانی

Henri Matisse (* 31. Dezember 1869 in Le Cateau-Cambrésis, Nord, Frankreich; † 3. November 1954 in Cimiez, heute ein Vorort von Nizza), vollständig Henri Émile Benoît Matisse, war ein französischer Maler, Grafiker, Zeichner und Bildhauer.
Er zählt mit Pablo Picasso zu den bedeutendsten Künstlern der Klassischen Moderne. Neben André Derain gilt er als Wegbereiter und Hauptvertreter des Fauvismus, der die Loslösung vom Impressionismus propagierte und die erste künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts darstellt.
Matisse’ Werk ist getragen von einer flächenhaften Farbgebung und spannungsgeladenen Linien. In seinen Gemälden sind die Farbgebung, der spielerische Bildaufbau und die Leichtigkeit seiner Bildthemen das Ergebnis langer Studien.[1]
Mit seinen in den 1940er Jahren entstandenen Scherenschnitten (gouaches découpées), ein Beispiel ist das Künstlerbuch Jazz, schuf Matisse ein Spätwerk, das seine Reduktionsbestrebungen zum Abschluss bringt und die ersehnte Synthese von Linie und Farbe erfüllt.[2] Die von ihm geplante und ausgestattete Rosenkranzkapelle in Vence, eingeweiht im Jahr 1951, hielt der Künstler selbst für sein Meisterwerk.[3]
Seine stilistischen Neuerungen beeinflussten die Moderne Kunst. So beziehen sich die abstrakten Expressionisten in den USA wiederholt auf sein Werk.
Inhaltsverzeichnis [Anzeigen]
Leben [Bearbeiten]

Kindheit und Ausbildung (1869–1898) [Bearbeiten]
Henri Matisse, Sohn des Émile Matisse und dessen Ehefrau Héloïse, geborene Gérard, wurde auf dem Hof der Großeltern in Le Cateau-Cambrésis geboren. Seine Eltern betrieben in Bohain-en-Vermandois eine Drogerie und einen Samenhandel; hier wuchs Matisse auf. 1872 wurde sein Bruder Émile Auguste geboren. Der Vater wünschte, dass sein ältester Sohn das elterliche Geschäft übernehmen möge. Henri entschied sich jedoch nach dem Besuch des humanistischen Henri-Martin-Gymnasiums in Saint-Quentin in den Jahren 1882 bis 1887 für das Studium der Rechtswissenschaft in Paris, das er zwei Jahre lang absolvierte.
Während einer kurzen Tätigkeit als Anwaltsgehilfe 1889 in Saint-Quentin belegte Matisse in den Morgenstunden Zeichenkurse an der École Quentin de la Cour. Im Jahr 1890 begann er nach einer Blinddarmoperation, deren Folgen ihn ein Jahr lang ans Bett fesselten, mit der Malerei. Er gab 1891 seine juristische Karriere auf, kehrte nach Paris zurück und trat in die Académie Julian ein, an der unter anderem der Salonmaler William Adolphe Bouguereau unterrichtete, um sich auf die Aufnahmeprüfung an der École des Beaux-Arts vorzubereiten. Dabei scheiterte er im ersten Anlauf.[4]
Matisse besuchte ebenfalls die École des Arts décoratifs (Kunstgewerbeschule), an der er Albert Marquet kennenlernte, mit dem ihn eine lange Freundschaft verband. Im Jahr 1895 wurden beide nach bestandener Aufnahmeprüfung der École des Beaux-Arts Schüler des symbolistischen Malers Gustave Moreau, in dessen Klasse sie bereits 1893 als Gastschüler aufgenommen worden waren. Matisse wurde 1894 Vater einer Tochter, Marguerite († 1982), die Mutter war Camille (Caroline) Joblaud, eine Frau, die er als Modell beschäftigte und die seine Geliebte war.
Während eines Aufenthalts in der Bretagne im Jahr 1896 lernte Matisse durch seinen Reisebegleiter, den Maler Émile Wéry, seinen Pariser Nachbarn vom Quai Saint-Michel 19, die impressionistische Farbpalette kennen. In dieser Zeit begann er, klassische Werke im Louvre zu kopieren und stellte erstmals fünf Gemälde im Salon der Société nationale des beaux-arts aus.[5] In den Jahren 1897 und 1898 besuchte er den Maler John Peter Russell auf Belle-Île, einer Insel vor der Küste der Bretagne. Russell führte ihn in die impressionistische Malweise ein und machte ihn mit dem Werk von Vincent van Gogh bekannt. Matisse’ Malstil veränderte sich grundlegend, und später führte er aus: „Russell war mein Lehrer, und Russell erklärte mir die Farbtheorie“.[6]
Heirat (1898) [Bearbeiten]


Henri Matisse und Amélie Matisse-Parayre, 1898
Am 10. Januar 1898 heiratete Henri Matisse Amélie Noellie Parayre. Auf den Rat Camille Pissarros reiste er anschließend nach London, um die Arbeiten Turners zu studieren. Gleichzeitig verbrachte er dort mit Amélie die Flitterwochen, die das Paar, kurz nach Paris zurückgekehrt, ab 9. Februar in Ajaccio auf Korsika fortsetzte. Aus der Ehe gingen zwei Söhne, Jean Gérard (1899–1976) und Pierre (1900–1989) hervor.[7]


Paul Cézanne: Les trois baigneuses (Die drei Badenden), 1879–82
Marguerite wurde in die Familie aufgenommen; Matisse liebte seine Tochter sehr und porträtierte sie häufig. Sie heiratete später den Kunstkritiker und Philosophen Georges Duthuit; kurz vor ihrem Tod gab sie mit ihrem Sohn Claude Duthuit das Werkverzeichnis der Druckgrafik ihres Vaters heraus.[8]
Als Matisse’ Lehrer Gustave Moreau starb, verließ er 1899 die École des Beaux Arts, da es Differenzen mit Moreaus Nachfolger Fernand Cormon gab. Nach einem erneuten kurzen Studium an der Académie Julian belegte er Kurse bei Eugéne Carrière, der ein Freund des Bildhauers Auguste Rodin war. Matisse lernte hier seine späteren Weggefährten André Derain und dessen Freund Maurice de Vlaminck kennen. Er malte mit Albert Marquet im Jardin du Luxembourg und besuchte in den Abendstunden Kurse für Skulptur.[7] Noch im selben Jahr kaufte er bei Vollard das Gemälde Die drei Badenden von Paul Cézanne. Trotz schwerer finanzieller Sorgen behielt er das Werk, das einen weitreichenden Einfluss auf sein Denken und Schaffen ausübte, bis zum Jahr 1936. In diesem Jahr übergab er das Gemälde als Geschenk an das Museum der schönen Künste im Petit Palais in Paris.[9]
Krisenjahre (1900–1905) [Bearbeiten]


Grand Palais, Paris, Photochrom, um 1900
An der Académie Rodin besuchte Matisse im Jahr 1900 Abendkurse und arbeitete unter der Leitung des Bildhauers Antoine Bourdelle mit anfangs geringem Erfolg.[10] Aufgrund mangelnder Einnahmen – das Modistengeschäft seiner Frau warf zum Lebensunterhalt nicht genug Einnahmen ab und die Kinder mussten oft den Großeltern überlassen werden – geriet er in eine schwere finanzielle Krise und nahm Arbeit als Dekorationsmaler an. Gemeinsam mit Albert Marquet malte Matisse Girlanden und Rahmenschmuck für die Ausstattung der Weltausstellung 1900, die im Pariser Grand Palais stattfand. Die Arbeit war anstrengend, deshalb kehrte er erschöpft nach Bohain zurück, um sich zu erholen. In jenen Tagen war Matisse derart entmutigt, dass er daran dachte, die Malerei aufzugeben.
Nachdem Matisse seine Krise überwunden hatte, bemühte er sich um Kunstsammler und Ausstellungsmöglichkeiten. Im Februar 1902 nahm er an einer Gemeinschaftsausstellung der neu gegründeten Galerie B. Weill teil. Im April und Juni des Jahres war Berthe Weill die erste Galeristin, die Arbeiten von ihm verkaufte.[11] Eine erste Einzelausstellung seiner Arbeiten fand 1904 bei dem französischen Kunsthändler Ambroise Vollard statt. Im Sommer desselben Jahres reiste Matisse auf Veranlassung von Paul Signac nach Saint-Tropez und begann, Bilder im Stil des Neoimpressionismus zu malen.[12]
Entstehung des Fauvismus (1905) [Bearbeiten]


Collioure, Foto aus dem Jahr 2006
Den Sommer des Jahres 1905 verbrachte Matisse mit André Derain und zeitweise mit Maurice de Vlaminck in Collioure, einem Fischerdorf am Mittelmeer. Dieser Aufenthalt wurde zu einem bedeutsamen Wendepunkt in seinem Schaffen. So kristallisierte sich in dieser Zeit in Zusammenarbeit mit Derain ein Stil heraus, der unter dem Namen Fauvismus in die Kunstgeschichte einging. Die Bewegung erhielt ihren Namen, als die kleine Gruppe gleichgesinnter Maler, bestehend aus Matisse, André Derain und Maurice de Vlaminck, zum ersten Mal in einer Ausstellung des Salon d’Automne in Paris im Herbst 1905 ihre Bilder zeigte und Empörung bei Publikum und Kunstkritikern erntete.[13]


Ausstellung des Salon d’Automne in Paris, 1905. Die Skulptur in der Mitte provozierte Vauxcelles’ Bemerkung „Donatello au milieu des fauves“.
Der Kritiker Louis Vauxcelles bezeichnete die Künstler als „Fauves“ („Die wilden Tiere“). Sein Kommentar „Donatello au milieu des fauves!“ wurde am 17. Oktober 1905 in der Zeitschrift Gil Blas veröffentlicht und erlangte Eingang in den allgemeinen Sprachgebrauch.[14] Im Mittelpunkt der Kritik stand das starkfarbige Gemälde Femme au chapeau (Frau mit Hut) von Matisse. Leo Stein, ein Bruder von Gertrude Stein, kaufte das Bild für 500 Franc.[15] Dieser „Skandalerfolg“ trieb Matisse’ Marktwert in die Höhe. Die Steins gehörten ebenfalls in der Zukunft zu seinen Förderern.[13] Die Gruppe der Fauvisten löste sich bereits 1907 wieder auf.
Bekanntschaft mit Picasso (1906) [Bearbeiten]
Am 20. März 1906 zeigte Matisse im Salon des Indépendants sein neues Werk Lebensfreude (Le bonheur de vivre). Kritiker und akademische Maler reagierten gereizt; Paul Signac, Vizepräsident der Indépendants, reihte sich in die Kritik ein und nahm Matisse die durch das Gemälde deutlich gewordene Absage an den Nachimpressionismus übel. Leo Stein empfand es jedoch „als das wichtigste Bild unserer Zeit“ und erwarb es für den gemeinsam mit seiner Schwester Gertrude geführten Salon.
Im selben Jahr lernte Matisse Pablo Picasso kennen; ihr erstes Zusammentreffen fand im Salon der Steins statt, in dem Matisse seit einem Jahr regelmäßig verkehrte. Mit Picasso verband ihn seit dieser Zeit eine von schöpferischer Rivalität und gegenseitigem Respekt getragene Freundschaft.[16] Gertrude Steins amerikanische Freunde aus Baltimore, Clarabel und Etta Cone, wurden ebenfalls Förderer und Sammler von Matisse und Picasso. In der Gegenwart ist die Cone Collection im Baltimore Museum of Art ausgestellt.[17]
Reise nach Algerien (1906) [Bearbeiten]
Im Mai 1906 reiste Matisse nach Algerien und besuchte die Oase Biskra. Während der Reise malte er nicht; erst nach der Rückkehr entstand das Gemälde Blauer Akt (Erinnerung an Biskra) und nach der Vollendung des Gemäldes eine Skulptur Liegender Akt I (Aurora), die eine ähnliche Körperhaltung aufweist. Von der zweiwöchigen Reise brachte er Gebrauchsgegenstände wie Keramiken und Stoffe mit, die er häufig als Motive für seine Bilder verwendete. Matisse entnahm der orientalischen Keramik die reine, flächig aufgetragene Farbe, die Reduktion der Zeichnung auf eine arabeskenhafte Linie sowie die flächige Anordnung des Bildraums. Orientalische Teppiche erschienen auf seinen Gemälden wie bei keinem anderen Maler der Moderne. Ein Beispiel ist das Stillleben Orientalische Teppiche, das er nach der Rückkehr malte.[18]
Die Académie Matisse (1908–1911) [Bearbeiten]
Auf Betreiben und mit Unterstützung seiner Bewunderer, Michael, Sarah, Gertrude und Leo Stein sowie Hans Purrmann, Marg und Oskar Moll und anderer gründete er eine private Malschule, die seinen Namen erhielt: „Académie Matisse“. Dort unterrichtete er von Januar 1908 bis 1911 und hatte schließlich 100 Schüler aus dem In- und Ausland. Purrmann war für Organisation und Verwaltung zuständig.[19]


Matisse und seine Studenten im Atelier, 1909
Der Unterricht fand zunächst in den Räumen des Couvent des Oiseaux an der Rue de Sèvres statt. In diesem leerstehenden Kloster hatte Matisse bereits seit 1905 neben seinem ursprünglichen Atelier am Quai St.-Michel einen weiteren Atelierraum angemietet. Nachdem die Gründung der Privatakademie feststand, mietete Stein im Couvent einen weiteren Raum für den Unterricht. Allerdings musste der Klosterkomplex schon nach wenigen Wochen geräumt werden. Die Schule zog deshalb in den Couvent de Sacré-Cœur auf dem Boulevard des Invalides an der Ecke der Rue de Babylon um.
Durch ihren nicht-kommerziellen Charakter hob sich die Académie Matisse von vergleichbaren Meisterateliers ab. Matisse legte viel Wert auf eine klassische Grundausbildung der jungen Künstler. Einmal in der Woche stand ein gemeinsamer Museumsbesuch auf dem Lehrplan. Das Arbeiten nach einem Modell kam erst nach der Mühe des Kopierens. Für die damalige Zeit war der Frauenanteil innerhalb der Schülerschaft überraschend hoch. Unter den insgesamt 18 deutschen Schülern, beispielsweise Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken und Walter Alfred Rosam, waren acht Künstlerinnen, unter anderem Mathilde Vollmoeller und Gretchen Wohlwill.[20]
Mit seinem Schüler Purrmann unternahm Matisse 1908 seine erste Reise nach Deutschland. Dort lernte er die deutsche Künstlergruppe die Brücke kennen. Er wurde als „Übervater ihrer Rebellion“ zum Beitritt in die Gruppe aufgefordert – vergeblich.[21] Im selben Jahr fand seine erste amerikanische Ausstellung in Alfred Stieglitz’ Galerie 291 statt. Seine kunsttheoretische Schrift Notes d’un Peintre (Notizen eines Malers) erschien am 25. Dezember 1908 in der Grande Revue.[22]
Umzug nach Issy-les-Moulineaux (1909) [Bearbeiten]


Henri Matisse in Paris, August 1913. Foto von Carl Van Vechten
Der russische Mäzen Sergei Schtschukin war auf Matisse’ Werk aufmerksam geworden und erteilte ihm den Auftrag zu zwei großen Gemälden: Der Tanz und Die Musik. Die Krisenjahre waren überwunden, und die finanziell gefestigte Position ermöglichte es Matisse, 1909 den Wohnsitz am Quai Saint-Michel in Paris zu verlassen und nach Issy-les-Moulineaux zu ziehen, wo er ein Haus kaufte und auf dem Grundstück sein Atelier errichten ließ. Für lange Zeit standen ihm die Familienmitglieder kostenlos Modell und kamen seinen Wünschen verständnisvoll entgegen. Sie richteten sich nach den Bedürfnissen des Künstlers, beispielsweise mussten die Kinder beim Essen schweigen, um die Konzentration des Vaters nicht zu stören.[23]


Ausstellungsplakat der Armory Show, New York 1913
Nach der Teilnahme an der von Roger Fry im Jahr 1910 zusammengestellten Ausstellung Manet and the Postimpressionists in London wurden Matisse’ Skulpturen erstmals 1912 in Alfred Stieglitz’ Galerie 291 in New York ausgestellt.[24] Ein Jahr später, 1913, nahmen einige seiner Gemälde an der bedeutenden Ausstellung Armory Show, New York, teil, die das konservative amerikanische Publikum jedoch mit ätzender Kritik bedachte. Der Schatzmeister der Armory Show, Walter Pach, vertrat Matisse’ Werk von 1914 bis 1926 in den USA.[25]
Um 1912 wurden einige Kompositionen von Matisse von vielen Kritikern als parakubistisch angesehen.[26] Matisse und Picasso tauschten in jenen Jahren ihre Ideen häufig aus. Matisse äußerte: „Wir gaben uns gegenseitig viel bei diesen Begegnungen.“[26] In jenen Gesprächen spielte Picasso den advocatus diaboli, der an Matisse’ Malerei ständig etwas in Frage stellen wollte, was ihn in Wirklichkeit selbst sehr beschäftigte.[26]
Neben seinen Aufenthalten in Sevilla (1910/1911) und Tanger (1911/1912 und 1912/1913) weilte Matisse im Sommer 1914 in Berlin.
Kriegsjahre (1914–1918) [Bearbeiten]
Zu Beginn des Ersten Weltkriegs im August 1914 hielt sich Matisse in Paris auf. Er meldete sich zum Militärdienst, sein Gesuch wurde jedoch abgelehnt. Nachdem das Gehöft der Familie bei einem deutschen Angriff zerstört worden war, erhielt Matisse keine Nachricht mehr von seiner Mutter und von seinem Bruder, der wie die anderen Männer des Dorfes von deutschem Militär als Kriegsgefangener mitgenommen worden war. Kurz vor der Marne-Schlacht verließ er Paris und fuhr mit Marquet nach Collioure. Die Schrecken jener Zeit führte Fauvisten und Kubisten, die bisher durch künstlerische Konflikte zerstritten waren, wieder näher zusammen, so wohnte Juan Gris bei dem Lehrer der Kinder von Matisse. Dessen kubistischer Einfluss verstärkte Matisse’ Neigung zu geometrischer Vereinfachung. Die Söhne Jean und Pierre mussten ab dem Sommer 1917 Militärdienst leisten.[27]
In Nizza (1916–1954) [Bearbeiten]


Ehemaliger Wohnsitz von Matisse in Nizza, No. 1, Place Charles-Félix (Mitte)
Matisse hielt sich 1916 auf ärztliches Anraten in Menton an der Côte d’Azur auf, da er unter Bronchitis litt und mietete 1916/1917 in Nizza im Hôtel Beau-Rivage ein Zimmer. Diese Stadt sollte für die weiteren Jahre zu seinem Domizil werden. Nachdem er zwischenzeitlich im Hôtel Méditerranée gewohnt hatte, bezog er in den zwanziger Jahren eine zweistöckige Wohnung am Place Charles-Félix in Nizza. In den Monaten Mai bis September kehrte er regelmäßig nach Issy-les-Moulineaux zurück und arbeitete dort in seinem Atelier.[28]
1918 fand in der Galerie Guillaume die Ausstellung Matisse – Picasso statt, die in gewissem Maße ein Beweis für die führende Rolle dieser Maler in der zeitgenössischen Kunst war.[29] Matisse zeigte einige seiner Bilder Renoir, den er in dieser Zeit oft besuchte; ebenso verkehrte er mit Bonnard in Antibes.
Im Jahr 1920 wurde Djagilews Ballett Le Chant du Rossignol in Paris uraufgeführt, für das Matisse die Kostüme und das Bühnenbild entworfen hatte. Er widmete sich erneut der Arbeit an Skulpturen, die er in den vorhergehenden Jahren vernachlässigt hatte. 1927 organisierte sein Sohn Pierre Matisse, der Galerist geworden war, eine Ausstellung für ihn in seiner New Yorker Galerie; im selben Jahr erhielt er den Preis für Malerei der Carnegie International Exhibition in Pittsburgh.
Zur Entspannung unternahm Matisse viele Reisen, so 1921 nach Étretat, 1925 nach Italien und 1930 über New York und San Francisco nach Tahiti.[30]
Scheidung – Auftrag zum Wandgemälde Tanz (1930) [Bearbeiten]
Auf der Rückreise im September 1930 besuchte er seinen wichtigen Sammler Albert C. Barnes in Merion (USA), der ihn um ein Wandbild mit dem Thema Tanz für sein Privatmuseum bat. Werke von Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir füllten dort bereits die Wände. Matisse nahm die Herausforderung an und konnte die Arbeit 1932 fertigstellen. Im Jahr 1933 wurde sein Enkel Paul Matisse in New York geboren.
Für die gewaltige Aufgabe von Barnes’ Wandgemälde hatte Matisse die 22-jährige russische Emigrantin Lydia Delectorskaya (1910–1998) als Assistentin angestellt, die ihm außerdem Modell saß. Daraufhin wurde er von seiner Frau Amélie vor die Alternative gestellt: „Ich oder sie.“ Lydia Delectorskaya wurde entlassen, trotzdem forderte Amélie die Scheidung und verließ ihn nach 31 Jahren Ehe. Matisse wurde sehr krank und stellte Delectorskaya wieder ein. Nach einem Parisaufenthalt bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kehrte er nach Nizza zurück.[31]
In den folgenden Jahren entstanden Projekte für Tapisserien und Buchillustrationen. Er radierte Szenen aus der Odyssee als Illustrationen zum Ulysses von James Joyce. Im November 1931 gab das Museum of Modern Art Matisse die Gelegenheit zu seiner ersten großen amerikanischen Einzelausstellung in New York. Vorausgegangen war eine bedeutende Ausstellung in der Berliner Galerie Thannhauser im Spätsommer 1930. So brachten die Jahre 1930 bis 1931 viele von Matisse’ persönlichen Plänen zur Reife und festigten seinen bereits wachsenden internationalen Ruf. Im Oktober erschien das erste von Matisse illustrierte Buch, die Skira-Ausgabe der Poésie de Stéphane Mallarmé.
1937 wurde Matisse von Léonide Massine gebeten, Dekorationen und Kostüme für Rouge et noir zu entwerfen, ein Ballett mit der Musik von Schostakowitsch und der Choreographie von Massine. Ein Jahr später übersiedelte er nach Cimiez in das frühere Hotel Régina, mit Blick auf Nizza.
Schwere Krankheit – Arbeit an Jazz (1941–1946) [Bearbeiten]


Im Vordergrund das Musée Matisse in Cimiez, Nizza, im Hintergrund das Hotel Régina, in dem Matisse im Alter wohnte
1941 musste sich Matisse in Lyon einer schweren Darmoperation unterziehen. Fast drei Monate blieb er in der Klinik, danach zwei Monate mit Grippe im Hotel. Er litt an einem Zwölffingerdarmkrebs und zwei nachfolgenden Lungenembolien.
Im Mai kehrte er wieder nach Cimiez zurück. Die Operation und die darauffolgende Krankheit setzten ihm ernstlich zu, sodass er sich nur noch beschränkte Zeit aufrecht halten konnte. Während seiner Rekonvaleszenz begann er von neuem zu arbeiten, er malte und zeichnete im Bett, so unter anderem an den Illustrationen für die Fabiani-Ausgabe von Henry de Montherlants Pasiphaé und die Skira-Ausgabe der Florilége des amours de Ronsard.


Montagne du Baou
In seinem nach einem Luftangriff auf Cimiez im Jahr 1943 bezogenen Atelier zu Füßen des Montagne du Baou in der Villa Le Rêve, zwei Kilometer vom Hauptplatz des provenzalischen Dorfes Vence entfernt, begann Matisse an seinen Schnitt- und Klebekompositionen für sein Buch Jazz zu arbeiten. 1944 wurde seine geschiedene Frau verhaftet und Tochter Marguerite wegen Beteiligung an der Résistance deportiert und zu einer sechsmonatigen Haft verurteilt.[32] Le Rêve blieb bis 1948 sein Wohnsitz, dann kehrte er nach Nizza in das Hotel Régina zurück.
Im Frühsommer 1945 reiste Matisse nach Paris, wo 37 Werke im Salon d’Automne in einer Retrospektive gezeigt wurden. Im selben Jahr stellte er mit Picasso zusammen im Victoria und Albert Museum in London aus. 1946 erhielt Matisse erstmals Besuch von Picasso und dessen Lebensgefährtin Françoise Gilot in Vence; die beiden Künstler trafen sich bis 1954 noch mehrmals.[33]
Letzte Jahre – Die Kapelle in Vence (1947–1954) [Bearbeiten]


Chapelle du Rosaire de Vence, Außenansicht
Im Jahr 1947 wurde Matisse in den Rang eines Kommandeurs der Ehrenlegion erhoben. Im selben Jahr begann er mit Entwürfen für eine Kapelle der Dominikanerinnen, die Rosenkranzkapelle in Vence, die ihn während der nächsten Jahre fast ausschließlich beschäftigen sollten. Das Projekt war das Ergebnis einer engen Freundschaft zwischen Matisse und Schwester Jacques-Marie alias Monique Bourgeois. Er hatte sie 1941 als Pflegerin und Modell angestellt; 1946 trat sie in ein Dominikanerkloster in Vence ein und erhielt den Namen Jacques-Marie. Als sie sich dort wiedersahen, bat sie ihn um Rat für die Errichtung einer Kapelle für das Kloster. Im Dezember 1949 wurde der Grundstein für die Kapelle gelegt, und am 25. Juni 1951 erfolgte die Einweihung durch den Bischof von Nizza. Im selben Jahr erhielt Matisse den ersten Preis für Malerei auf der Biennale in Venedig.
Im Zusammenhang mit seinen 1951 in den USA ausgestellten Werken gab der amerikanische Kunsthistoriker Alfred H. Barr Matisse: his Art and his Public heraus, das bis in die heutige Zeit ein bedeutendes Buch über den Künstler darstellt. Im Jahr 1952 eröffnete das Musée Henri Matisse in seiner Heimatstadt Le Cateau-Cambrésis seine Pforten. Ein Jahr später folgten Ausstellungen der papiers découpés in Paris und seiner Skulpturen in London.
Matisse arbeitete in den letzten Tagen seines Lebens an der Rockefeller Rose, die sein letztes Werk werden sollte, ein Glasfenster für die Union Church of Pocantico Hills, das er im Auftrag der Familie Nelson Rockefeller zur Erinnerung an Abby Aldrich Rockefeller gestaltete. Die Kirche enthält neben Matisse’ Werk auch Fenster von Marc Chagall.[34]


Grabstein auf dem Friedhof von Cimiez
Matisse starb am 3. November 1954 in Nizza an einem Herzanfall. Sein Grab – der Gedenkstein ist ihm und seiner früheren Ehefrau gewidmet – liegt auf dem höchsten Punkt des Friedhofs von Cimiez; es ist ein Geschenk der Stadt Nizza.
Am 5. Januar 1963 wurde ein weiteres Museum, das Musée Matisse, in Nizza gegründet. Der Künstler selbst schenkte bereits vor der Gründung am 21. Oktober 1953 das Gemälde Stillleben mit Granatapfel (1947), vier Zeichnungen aus den Jahren 1941/42, den Scherenschnitt Die kreolische Tänzerin (1950) sowie die zwei Seidendrucke, Ozeanien – Das Meer und Ozeanien – Der Himmel, beide aus dem Jahr 1947. Weitere Schenkungen der Erben folgten zwischen den Jahren 1960 und 1978.[35]
Das malerische Werk [Bearbeiten]

„Die Lehrer an der Beaux-Arts pflegten zu sagen: ‚Haltet Euch stur an die Natur!‘. Während meiner ganzen Laufbahn habe ich mich gegen diese Einstellung aufgelehnt, der ich mich nicht unterwerfen konnte. Diese Auseinandersetzung hatte verschiedene Wendungen in meinem Wege zur Folge, der ein ständiges Suchen nach Ausdrucksmöglichkeit jenseits des naturgetreuen Abklatsches war; solche Wendungen waren zum Beispiel der Divisionismus und der Fauvismus.“
– Henri Matisse, 1951[36]
Matisse’ Bildauffassung [Bearbeiten]
In Matisse’ Bildwelt erhält die Farbe durch flächig-dekorativen und ornamentalen Einsatz unter Auslassung ihrer räumlichen Gestaltungsaspekte autonomen Charakter. Die Farbgebung wird hierbei weder der Lokalfarbe noch der Beschreibung von Oberflächenstrukturen unterworfen. Matisse setzt sie vielmehr als Mittel ein, die farblichen Empfindungen, die durch den Eindruck des Motivs im Maler ausgelöst werden, wiederzugeben. Auf seinem Weg über den Fauvismus schuf er eine Bildwelt, in der dem Gegenstand nicht mehr Bedeutung beigemessen wird als dem Binnenraum, das heißt dem Raum zwischen den Gegenständen. Keine dieser Formen ist einer anderen bei der Verwirklichung der ‚expression‘ ( ‚Ausdruck und Aussage‘ ) als Gestaltungselement über- respektive untergeordnet. Die ‚expression‘ kann nach dieser Auffassung nur durch die Anordnung und den Zusammenhang der Farbformen – Farbe und Form sind eins – untereinander realisiert werden. Durch diese Sichtweise wird Naturbeobachtung (Objekt) nicht nur zum Anlass der farblichen Empfindungen (Subjekt), sondern in ihrem wechselseitigen Miteinander auch zu einem Korrektiv innerhalb des Schaffensprozesses erhoben. In diesem Sinne sah sich Matisse der Tradition verbunden. So hat Matisse – wie auch Picasso – nie den Schritt zur völligen Abstraktion vollzogen, da auf diese Weise, wie er betonte, die Abstraktion nur imitiert werde.[37]
Charakteristisch für Matisse’ Bildaufbau ist des Weiteren, dass er die Objekte linearisiert. Die räumlichen Beziehungen zwischen den Objekten treten in den Hintergrund, werden aufgelöst, ohne jedoch ihre Raumbezüge völlig zu negieren. So hob er hervor, dass durch die Gleichstellung der Formen – Gegenstand und Binnenraum – sowie durch die Autonomie der Farbe eine Linearisierung der Bildelemente notwendig sei und umgekehrt.
Das in jenen Tagen immer stärker aufkommende Bedürfnis nach Originalität und Individualität einerseits und die Abneigung gegenüber den aus der Sicht ihrer Gegner „degenerierten“ Sichtweisen der immer noch etablierten Akademien andererseits führten dazu, dass viele Maler eine eigene Position beziehen wollten.[38] So fand Matisse zwar in Cézanne die Figur des spiritus rector[39], jedoch intendierte er nicht, Cézannes Werk weiterzuführen.
Das Frühwerk bis 1900 [Bearbeiten]
Matisse entschied sich erst spät für eine künstlerische Laufbahn. Als 20-jähriger Anwaltsgehilfe in St.-Quentin begann er, Kunstunterricht zu nehmen. Seine ersten Bilder entsprachen dem bürgerlichen Naturalismus, den die französische Schule von den Niederländern übernommen hatte. Ein bekanntes Bild aus dieser Zeit ist Die Lesende aus dem Jahr 1894, das sich heute im Musée National d’Art Moderne in Paris befindet. In seinen Bildthemen werden Frauen vom Früh- bis zum Spätwerk in den 1950er Jahren seine Kunst dominieren, dargestellt in Matisse’ verschiedenen Phasen. Das Stillleben mit Selbstbildnis in ähnlichen braun-grünen Farben folgte 1895. Es weist in seiner Ästhetik eine Ähnlichkeit zu Cézannes zwanzig Jahre älteren Stillleben auf, ohne deren Raffinesse zu haben. Bekannte Gemälde aus dem Jahr 1897 sind Der gedeckte Tisch und das Seestück, Belle Île; in letzterem finden sich Annäherungen an Claude Monets Sturm in Belle Île aus dem Jahr 1896, das die impressionistischen Einflüsse durch Monet und John Peter Russell in der Bretagne widerspiegelt.[40]
Das Hauptwerk des Künstlers lässt sich in die folgenden fünf Perioden einteilen:[41]
Fauve-Periode (1900–1908) [Bearbeiten]
Hauptartikel: Fauvismus


Paul Cézanne: Haus in der Provence, 1882–1885


Georges Seurat: Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte, 1884–1886
Im Jahr 1900 begann Matisse in einer Art zu malen, die als „Proto-Fauve“ bezeichnet wurde. Er wollte seine Formen nicht in Licht aufgelöst sehen, sondern als ein vollständiges Ganzes auffassen, und so entfernte er sich vom „orthodoxen“ Impressionismus. Es waren neben den Arbeiten Paul Cézannes die divisionistischen Arbeiten Seurats, denen er seine Aufmerksamkeit widmete. Georges Seurat und die Neoimpressionisten schufen ihre Werke nach der theoretischen Lehre, die auf der Farbtheorie Eugène Chevreuls basierte. Neben Seurat waren es Vincent van Gogh und Paul Gauguin, die Matisse’ Farbempfinden steigerten; die Imitation der Natur wollte er überwinden.[42] Matisse’ Figurenkomposition Luxus, Stille und Begierde (1904/05) entstand beispielsweise nach divisionistischen Regeln. Wenig später erkannte er, dass die divisionistische Bildauffassung nicht dazu geeignet war, den Bildwerken Festigkeit zu verleihen und die farblichen Empfindungen des Malers wiederzugeben, daher wandte er sich, wie es Cézanne schon Jahre vor ihm getan hatte, von der impressionistischen Richtung ab.[43]
Das Ergebnis seiner Arbeit während seiner fauvistischen Phase stellte eine Lösung in Form einer flächigen Farbgebung dar, die dem „Zerfließen“ impressionistischer Bilder entgegensteht. Beispiele sind Offenes Fenster in Colliure und Frau mit Hut, beide aus dem Jahr 1905, die auf der Ausstellung im Salon Empörung hervorriefen und damit zum Begriff Fauvismus führten. In seinem Gemälde Der grüne Streifen. Bildnis Madame Matisse, ebenfalls aus dem Jahr 1905, bildet das Grün eine feste Größe. Der auf den ersten Blick unnatürlich wirkende Streifen über dem Gesicht ist nicht willkürlich gesetzt, sondern dient als Grenze zwischen Licht- und Schattenzone.[44][45] Matisse zeigte auf, dass durch die Autonomie der Farbe in Verbindung mit ihrem flächenhaften Auftrag, die Objekte untereinander zu linearisieren sind, ihre räumlichen Zusammenhänge somit in den Hintergrund treten müssen. Die Werke der Folgejahre stellen in erster Linie Variationen dieser grundlegenden Erkenntnis dar.
Nach eigener Aussage begann sein Lebenswerk mit dem Gemälde Die Lebensfreude, das er 1906 im Salon des Indépendants ausstellte, wo es heftige Kritik hervorrief. Nach der Algerienreise 1906 entstand Blauer Akt (Erinnerung an Biskra), die Palmen im Hintergrund reflektieren die Reise. Der weibliche Akt lastet schwer auf dem Boden und wirft einen Schatten. Die dominante Figur und die flächige Umgebung gibt Matisse’ Auffassung wieder: „Gerade die Figur und nicht das Stillleben oder die Landschaft interessiert mich am meisten. An ihr kann ich am besten, man könnte sagen, das mir stets eigene religiöse Gefühl dem Leben gegenüber zum Ausdruck bringen.“[46]
Experimentelle Periode (1908–1917) [Bearbeiten]
„Die Bilder der Impressionisten sind voll widersprechender Eindrücke. Wir wollen etwas anderes, wir wollen innere Ausgeglichenheit durch Vereinfachung der Ideen und gestaltenden Formen erreichen.“
– Henri Matisse, 1909[47]
Matisse’ experimentelle Periode, in der er sehr produktiv war, wird in zwei Phasen unterteilt: Von 1908 bis 1910 herrschen organisch-flüssige und arabeske Formen vor, während die zweite Phase von 1911 bis 1917, geprägt von Matisse’ Auseinandersetzung mit dem Kubismus, von geometrischen Formen dominiert wird. Matisse hat seine Malerei niemals einer einheitlichen Stilistik untergeordnet, sondern er vollzog häufig Positionswechsel, von dekorativen zu realistischeren Perioden.[48]
Im Jahr 1909 gab der russische Kunstmäzen Schtschukin zwei große Werke in Auftrag, La Danse (Der Tanz) und La Musique (Die Musik), die zum Schmuck des Treppenhauses seines Moskauer Domizils dienen sollten. Vom Tanz entstanden zwei Fassungen in unterschiedlichen Farbtönungen. Inspiriert hatte Matisse der provenzalische Rundtanz Farandole. Die jeweils aus fünf Körpern vor einem starkfarbigen Hintergrund bestehenden Bilder vermitteln Lebensfreude, der dekorative Stil verbindet sich mit der menschlichen Figur. Ihre Monumentalität folgt aus der Vereinfachung der malerischen Mittel: wenige Farben sind in großen homogenen Flächen aufgetragen, die Zeichnung wird zur reinen Linie, die die Formen bildet. Der Tanz gehört zu Matisse’ bekanntesten Werken. Bestimmt durch die Vereinfachung der Formen wird auch das Gemälde Blumenstrauß und Keramikteller aus dem Jahr 1911. Im Ersten Weltkrieg wird seine Farbskala dunkler, die Reduktion auf geometrische Formen in Anlehnung an den Kubismus erreichte 1914 mit dem Bild Ansicht von Notre Dame ihren Höhepunkt und setzte sich bis 1918 fort. Die Farbe Schwarz spielt in den Kriegsjahren eine große Rolle, ein Beispiel ist das Türfenster in Colliure, 1914.[49]
Nizza-Periode (1917–1929) [Bearbeiten]
Matisse widmete sich unter anderem dem Malen von Odalisken in verschiedenen Positionen. Auch Porträts, lichtdurchflutete Interieurs, Stillleben, Landschaften standen im Zentrum seines Darstellungsinteresses. Seine Werke wiesen mehr naturalistische Züge auf als jemals zuvor. Indem Matisse seine fantasievolle Vorstellung real gestaltete, bewies er damit seinen Glauben an die Malerei als „Quelle ungetrübter Freude“.[50]
Die Liebe zur Farbe und zum Detail wird durch den oft außergewöhnlichen „ornamentalen Hintergrund“ deutlich. Das Gemälde Dekorative Figur vor ornamentalem Hintergrund (1925/26) weist besonders die emblematischen Attribute seiner Malerei auf: eine Frau, Blumen und bunte Stoffe im Hintergrund. Es zählt zu den bedeutendsten Werken der „Nizza-Periode“. Sein Modell war zu dieser Zeit Henriette Darricarrère. In Nizza dekorierte er sein Atelier mit Stoffbahnen, Teppichen und Vorhängen. Der mit Blumen übersäte Stoff erscheint noch bei weiteren Werken, beispielsweise in Zwei Odalisken (1927/28) und Odaliske mit Lehnstuhl (1928).[51]
Periode erneuter Einfachheit (1929–1940) [Bearbeiten]
Der Nizza-Periode folgte eine Periode erneuter Einfachheit. Matisse’ künstlerisches Streben konzentrierte sich auf die Harmonie zwischen der maximalen Entfaltungsmöglichkeit der Farbe und einer fortschreitenden Abstraktion der gegenständlichen Form.
Im Jahr 1929 reiste er in die USA und war dort Jurymitglied der 29. Carnegie International. Ein Jahr später reiste er nach Tahiti, New York und Baltimore, Maryland sowie nach Merion in Pennsylvania. Albert C. Barnes aus Merion, ein bedeutender Kunstsammler moderner Kunst, der bereits die größte Matisse-Sammlung Amerikas besaß, beauftragte den Künstler, ein großes Wandbild für die Kunstgalerie seines Wohnhauses anzufertigen. Matisse wählte ein Tanzthema, das ihn bereits seit seiner fauvistischen Phase eingenommen hatte. Das Wandbild Der Tanz existiert in zwei Versionen aufgrund eines Irrtums in den Maßangaben; es wurde im Mai 1933 installiert und wird gegenwärtig bei der Barnes Foundation ausgestellt. Die Komposition zeigt in ihrer Einfachheit tanzende Frauen in überaus starker Bewegung vor einem abstrakten, fast geometrischen Hintergrund. Bei den Vorarbeiten zum Wandbild wandte Matisse ein neues Verfahren an, indem er die Komposition aus ausgeschnittenen Teilen kolorierten Papiers zusammenfügte. Ab 1940 wurden die Scherenschnitte zu Matisse’ bevorzugtem Ausdrucksmittel, eine Technik, die er bis zum Lebensende beibehielt.[52]
Periode der Beschränkung auf das Wesentliche (1940–1954) [Bearbeiten]
Die Reduktion der Form bis hin zur Abstraktion führte Matisse zur Betonung des dynamischen Elements. Um 1943 wurde wegen seiner schweren Erkrankung der Scherenschnitt zu einem Hauptausdrucksmittel in der Arbeit des Künstlers; um 1948 schloss Matisse ganz mit der Malerei ab. Er ließ von Assistenten Papierbögen mit monochromer Gouachefarbe bemalen, aus denen er seine Figuren und freien Formen ausschneiden konnte (gouaches découpées). Matisse nannte diese Technik „mit der Schere zeichnen“. Sie bot die Möglichkeit, Linie und Farbe zu verbinden und war daher die von ihm lange erstrebte Lösung seines Anliegens. In der Zeichnung konnte er einen Eindruck in wenigen Umrisslinien darstellen, wenn auch ohne Farbe. In der Malerei fehlte diese Spontanität. Wenn die Schere den Pinsel ersetzt und direkt in die Farbe einzeichnet, wird der Gegensatz von Farbe und Linie überwunden. Das Ergebnis – der Schnitt – ist schärfer als der gezeichnete Strich, hat also einen anderen Charakter.[53] 1947 wurde eine Folge von Scherenschnitten aus den Jahren 1943 bis 1944 als Künstlerbuch unter dem Titel Jazz veröffentlicht, die im Schablonendruck vervielfältigt worden waren. Der Titel spielt auf die Spontanität und Improvisation des Musikstils Jazz an. Zum Gebrauch der Linien schrieb Matisse in diesem Buch:
„Das Lot bestimmt die vertikale Richtung und bildet zusammen mit seiner Gegenspielerin, der Horizontalen, den Kompaß des Zeichners. […] Um diese angenommene Linie entwickelt sich die „Arabeske“. Ich zog aus dem Gebrauch des Lots dauernden Nutzen. Die Vertikale ist in meinem Geist eingezeichnet, sie hilft mir, die Richtung meiner Linien genau zu bestimmen, und auch in meinen rasch hingeworfenene Zeichnungen ist keine Linie […] ohne Beziehung zur Vertikalen entstanden. – Meine Linien sind nicht verrückt.“
– Henri Matisse[54]
Hinzu kamen Entwürfe für Wandteppiche wie Polynesien – Der Himmel und Polynesien – Das Meer, 1946. Die Ausgestaltung einer Kapelle, der Rosenkranzkapelle, (auch Chapelle Matisse genannt), in Vence, eingeweiht 1951, deren Glasfenster er ebenfalls in Scherenschnitten vorbereitet hatte, zeigt die erste Glasmalerei des Künstlers. Ein weiteres Beispiel ist die Serie Blauer Akt aus dem Jahr 1952; sie ist ausschließlich in Blau und Weiß gehalten und hat in seiner Abstraktion eine skulpturale Wirkung.
Das grafische Werk – Buchillustrationen [Bearbeiten]

Matisse schuf Zeichnungen, Studien zu seinen Werken, in großer Anzahl. Sein Interesse an grafischen Arbeiten begann um 1900, als er probeweise anfing zu radieren. Das von seiner Tochter Marguerite Duthuit und seinem Enkel Claude Duthuit herausgegebene Werkverzeichnis der Druckgrafik beschreibt etwa 800 Arbeiten, wobei die zwischen 1908 und 1948 entstandenen rund 300 Radierungen und 300 Lithografien aus den Jahren 1906 bis 1952 den Schwerpunkt bilden. Außerdem schuf er 62 Werke in Aquatinta, 68 Monotypien, 70 Linolschnitte und aus der Frühzeit 1906/07 vier Holzschnitte. Im Gegensatz zu Picasso verzichtete Matisse auf die Erprobung neuer Materialien und Techniken.[55]
Nach Ausbruch des Zweiten Weltkriegs nahm Matisse’ grafische Arbeit einen größeren Raum ein, so entwarf er Illustrationen zu Henry de Montherlants Pasiphaé (1944), Pierre Reverdys Visages (1946), Mariana Alcaforados Lettres portugaises (1946), Charles Baudelaires Les Fleurs du Mal (1947), Pierre de Ronsards Florilège des Amours (1948) und Charles d’Orléans’ Poèmes (1950). Diese Bücher waren meistens mit schwarz-weißen Illustrationen ausgestattet; im Unterschied hierzu versah er sein bekanntes Künstlerbuch Jazz aus dem Jahr 1947, in dem er seine Reflexionen über die Kunst und das Leben niederschrieb, mit farbigen Illustrationen.[56]
Das plastische Werk [Bearbeiten]



Antoine-Louis Barye: Tiger, einen Gavial verschlingend, 1855, Louvre
Mehr als die Hälfte von Matisse’ Skulpturen entstanden in den Jahren zwischen 1900 bis 1910. Er arbeitete oft in Serien, wobei er die Form über Jahre hinweg vereinfachte. Die erste dreidimensionale Arbeit von insgesamt 82, Jaguar, einen Hasen verschlingend, entstand während seiner bildhauerischen Studien ab dem Jahr 1899. Sie weist nicht nur auf den Einfluss von Auguste Rodin hin, sondern ebenfalls auf Antoine-Louis Barye, einen bekannten französischen Bildhauer, der für seine Tierskulpturen bekannt war. Matisse modellierte nach dessen Tiger-Bronze die Jaguar-Skulptur, an der er von 1899 bis 1901 arbeitete. Die Skulptur Der Knecht entstand wie das gleichnamige Gemälde im Jahr 1900 und wurde 1903 beendet. Als Modell diente ihm der Italiener Bevilaqua, der schon für Rodin in dessen Werk Johannes der Täufer (1878) und Gehender Mann (1900) Modell gestanden hatte.[57] Matisse setzte oft Motive seiner Plastiken in Gemälde um oder umgekehrt. Die Größe seiner Skulpturen entsprachen nicht wie bei traditionellen Bildhauern der Lebensgröße, sondern sie wurden in kleinerem Format angelegt.
Im Jahr 1907 begann seine Arbeit am Liegenden Akt, den er aus dem Gemälde Luxus, Stille und Begierde (1904–05) weiter entwickelt hatte. Das Sujet sollte ihn 30 Jahre lang beschäftigen. Die Skulptur Zwei Negerinnen aus dem Jahr 1908 findet sich wieder auf seinem Stillleben von 1910, Bronze mit Früchten. Cézannes Gemälde, Die drei Badenden, 1899 erworben, diente Matisse zum Vorbild in Werken, die den Körper monumental abbilden, so wie beispielsweise in der Reliefserie der Rückenakte, die Matisse in den Jahren 1909 bis 1929 schuf. Die Inspiration zu der Serie Jeannette I – V von 1910 bis 1913 war ein früheres impressionistisches Gemälde, der Kopf der Jeanette wurde in den Fassungen mehr und mehr verfremdet. Jeanette V bildet eine Vorstufe zur körperlichen Abstraktion, die sich später, ab den 1930er Jahren, in der Kunst ausbreitete. Die Anregungen durch die primitive Kunst schlugen sich nicht wie bei Picasso in seinen Gemälden nieder, sondern seine Transformationen blieben in dieser Hinsicht auf das plastische Werk beschränkt.[58]
Fast alle seine Skulpturen bestanden aus einer Edition von zehn Exemplaren, mit einer Ausnahme: Der Kleine dünne Torso aus dem Jahr 1929 existiert nur in drei Exemplaren. Matisse benutzte als Gusstechnik das Sand- und das Wachsausschmelzverfahren. Die meisten seiner plastischen Werke wurden in späteren Jahren gegossen, als eine größere Zahl von Sammlern sich dafür interessierte. Die Rückenakte I – IV, die zu den wichtigsten Matisse-Skulpturen gehören, wurden erst nach Matisse’ Tod auf Veranlassung seiner Erben gegossen. In den 1990er Jahren ließen die Erben die meisten Originalformen vernichten, um weitere Editionen zu verhindern.[59]
Kunsttheoretische Schriften [Bearbeiten]

Unter den vier größten französischen Malern der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – Matisse, Picasso, Derain und Braque – war Matisse der erste Theoretiker. Seine Schrift aus dem Jahr 1908, Notes d’un peintre (Notizen eines Malers), ging den publizierten Aussagen von Braque und Picasso mit zeitlichem Abstand voraus. Obwohl Braques frühestes Interview (1908) im Jahr 1910 veröffentlicht wurde,[60] kamen seine Texte erst im Jahr 1917 heraus.[61] Picassos erste theoretische Aussage, Picasso speaks,[62] kam im Mai 1923 heraus.
In den Notizen eines Malers verdeutlichte Matisse die Hauptanliegen seiner Kunst: „Expression“ („Ausdruck und Aussage“), geistige Verarbeitung von Naturformen, Klarheit und Farbe. Ferner bekennt er in diesem Artikel seinen Glauben an die Kunst als Ausdruck der Persönlichkeit. Sie ist für ihn weder Darstellung einer „Imagination“ noch Mittler literarischer Vorstellungen, sondern er begründet sie auf der intuitiven Synthese von Natureindrücken. In dieser Schrift lautet eine zentrale, oft zitierte Passage:
„Ich träume von einer Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit, der Ruhe, ohne beunruhigende und sich aufdrängende Gegenstände, von einer Kunst, die für jeden Geistesarbeiter, für den Geschäftsmann so gut wie für den Literaten, ein Beruhigungsmittel ist, eine Erholung für das Gehirn, so etwas wie ein guter Lehnstuhl, in dem man sich von physischen Anstrengungen erholen kann.“
– Matisse – Über Kunst. S. 75
Der zweite theoretische Text Notes d’un peintre sur son dessin (Notizen eines Malers über das Zeichnen) erschien im Jahr 1939 in Le Point. In den Jahren nach 1930 schuf er viele Strichzeichnungen, die mit Bleistift oder Feder ausgeführt wurden; die Federzeichnungen entstanden, wie Matisse definierte, „erst nach Hunderten von Zeichnungen, nach Versuchen, Erkenntnissen, und Formdefinitionen; dann zeichnete ich sie mit geschlossenen Augen.“[63]
Rezeption [Bearbeiten]

Zeugnisse von Zeitgenossen [Bearbeiten]
Der um viele Jahre ältere Impressionist Auguste Renoir äußerte gegen Ende des Ersten Weltkriegs gegenüber Henri Matisse, als dieser ihn in Südfrankreich besuchte:
„Ich würde eigentlich gerne sagen, daß Sie kein wirklich guter Maler sind […] Aber da ist etwas, das mich daran hindert, Ihnen das zu sagen. Wenn Sie das Schwarz verwenden, bleibt es genau da auf der Leinwand. Mein ganzes Leben lang habe ich immer gesagt, daß man Schwarz nicht mehr benutzen kann, ohne ein Loch in die Leinwand zu machen. Es ist keine Farbe. Nun, Sie sprechen die Sprache der Farben. Und dennoch nehmen Sie Schwarz und schaffen es, daß es an Ort und Stelle bleibt. Obwohl mir das, was Sie machen, überhaupt nicht gefällt, und ich dazu neige, Ihnen zu sagen, daß Sie ein schlechter Maler sind, schätze ich, Sie sind wohl doch ein Maler.“
– Auguste Renoir[64]
Der um sechs Jahre ältere Malerkollege Paul Signac kaufte im Jahr 1905 das von Matisse im Salon des Indépendants ausgestellte Bild Luxus, Stille und Wollust. Ein Jahr später mokierte sich der Neoimpressionist über Matisse’ im Salon ausgestelltes Werk Die Lebensfreude:
„Matisse, dessen Versuche ich bisher schätzte, scheint mir auf einen völlig falschen Weg geraten zu sein. Auf einem zweieinhalb Meter langen Bild hat er sonderbare Gestalten mit einer daumenstarken Linie umrissen. Dann hat er das Ganze mit glanzlosen, deutlich umgrenzten Farbtönen bedeckt, die, so rein sie sind, widerlich aussehen. Ah, diese hellrosa Töne. Das erinnert […] an den abscheulichsten ‚Cloisonismus‘ des seligen Anquetin und an die bunten Ladenschilder der Eisen- und Kurzwarenhändler.“
– Paul Signac[16]
Gertrude Stein, Matisse’ Förderin, beschrieb sein Gemälde aus dem Jahr 1907 Blauer Akt (Erinnerung an Biskra) und seine Intention folgendermaßen:
„In diesem Bild führt Matisse zum erstenmal seine Absicht bewußt durch, die Linien des menschlichen Körpers zu verzeichnen, um dadurch den malerischen Wert der ungemischten Farben zu harmonisieren und zu vereinfachen, die er nur in Verbindung mit Weiß verwendete. Er benutzt diese systematisch verdrehte Zeichnung genau so, wie man in der Musik Dissonanzen, in der Küche Essig oder Zitrone benutzt […].“
– Gertrude Stein[65]
Matisse’ Schüler und Freund, der deutsche Maler Hans Purrmann, organisierte im Jahr 1908 eine Ausstellung in Berlin in der Galerie von Paul Cassirer. Die Ausstellung stieß auf Kritik. Bei einem gemeinsamen Treffen mit Max Liebermann in der Galerie fürchtete dieser beim Anblick der Bilder „der Jugend Verderben“ und beschäftigte sich lieber mit seinem Dackel. „Pfefferkuchen-Malerei“ und „Tapete“ lauteten die Schlagworte jener Zeit über Matisse’ Malerei.[66] Wenige Jahre vor Matisse’ Tod äußerte sich Purrmann über dessen späte Lebensumstände:
„[…] In geruhsamer, fast tragisch-mönchischer Einsamkeit verläuft sein Leben. Selbst über Mangel an Freunden hörte ich ihn klagen. Ihm fehlt die Unruhe, die anderen Menschen anhaftet, und doch ist er innerlich beständig im Kampf mit sich selbst. Einmal fand ich ihn beim Abschreiben von Gedichten in Zierschrift. Ich nahm an, er wolle die Gedichte illustrieren – nein. Er tat es, wie sein Geistlicher sein Brevier liest.“
– Hans Purrmann[67]
Picasso drückte sehr häufig seine Wertschätzung gegenüber Matisse aus. Unter den vielen Äußerungen Picassos lässt die unten aufgeführte jedoch am deutlichsten erkennen, wie sehr Picasso das Werk Matisse’ erkannte:
„Matisse hat so gute Lungen. Ich meine die Art, wie er die Farbe anwendet. Wenn du in Matisses Werk drei Töne findest, die nahe beieinanderliegen — sagen wir ein Grün, ein Violett und ein Türkis —, dann beschwört ihre Verbindung eine andere Farbe herauf, die man die Farbe nennen könnte. Das nennt man die Sprache der Farben. […] Die Tatsache, daß sich auf einem meiner Bilder ein gewisser roter Fleck befindet ist nicht das Wesentliche des Bildes. Das Bild wurde unabhängig davon gemalt. Du könntest das Rot wegnehmen, und es wäre immer noch das Bild da. Aber bei Matisse ist es undenkbar, daß man einen Fleck Rot […] unterdrückt, ohne daß das Bild sofort in sich zusammenstürzt.“
– Pablo Picasso[68]
Beziehung zu Picasso [Bearbeiten]


Pablo Picasso im Jahr 1962
Matisse war der einzige zeitgenössische Künstler, den Picasso als ebenbürtig ansah. Kein anderer zeitgenössischer Künstler hatte ihm, trotz ihrer gegensätzlichen künstlerischen Ausrichtung, so viel bedeutet wie Matisse. Während ihrer Treffen herrschte ein reger Austausch. „Wir müssen uns soviel miteinander unterhalten, wie wir können”, sagte Matisse Ende der 1940er Jahre zu Picasso und fügte hinzu: „Wenn einer von uns stirbt, wird es einige Dinge geben, über die der andere mit niemanden sonst sprechen kann.”[64]
Picasso, der auch bisweilen grausame Beleidigungen vom Stapel ließ, gestattete niemals einem anderen, an Matisse Kritik zu üben. Es gibt viele Beweise dafür und eines der besten unter den zahlreichen Zeugnissen stammt von Christian Zervos. Matisse und Picasso verbrachten mit mehreren anderen einen Nachmittag in der Coupole. Matisse verließ für einen Augenblick die Runde. Als jemand fragte, wo er abgeblieben sei, antwortete Picasso, er sitze sicher auf seinem Lorbeerkranz. Die meisten der Anwesenden begannen, weil sie bei Picasso Anklang suchten, über Matisse herzufallen. Picasso wurde darauf wütend und schrie: „Ich dulde nicht, daß ihr etwas gegen Matisse sagt, er ist unser größter Maler.“[69]
So würdigten sich die beiden gegenseitig. Picasso äußerte: „Im Grunde gibt es nichts als Matisse.“ „Nur Picasso kann sich alles erlauben. Er kann alles verwirren. Entstellen, verstümmeln, zerstückeln. Er ist immer, er bleibt immer im Recht“, sagte Matisse. „Deshalb allein zum Beispiel ist Matisse Matisse: weil er die Sonne im Leib hat“, sagte Picasso.[70]
Die respektvolle und von einer schöpferischen Rivalität geprägte künstlerische Beziehung zwischen diesen beiden Maßstäbe setzenden Künstlern des 20. Jahrhunderts wird von Françoise Gilot in ihrem Buch Matisse und Picasso – Eine Künstlerfreundschaft ausführlich hervorgehoben.
Ihre Gegensätzlichkeit zeigte sich in den grundlegenden Fragen nach dem Charakter des Bildes und nach dem Sinn der Kunst. Picasso wollte das dissonante, Matisse das harmonische Bild.[71] Ihre Gegensätze treten in den folgenden Zitaten scharf hervor: „Die Malerei ist nicht dazu da, Wohnungen zu schmücken. Sie ist eine Angriffs- und Verteidigungswaffe“, sagte Picasso 1945 in einem Interview in „Lettres Françaises“. „Ein Gemälde an der Wand sollte wie ein Blumenstrauß im Zimmer sein“, äußerte Matisse sich wenige Monate später in derselben Zeitschrift. [72]
Andererseits stellt das Werk Cézannes das beide verbindende Element dar. Picasso hatte wie Matisse dessen Gemälde studiert und äußerte später gegenüber dem Fotografen Brassaï: „Cézanne! Er war unser aller Vater!“[73] Matisse hatte mit Cézanne, dessen Briefe er unter anderem studierte, den Forscherinstinkt gemein, der danach strebt, ein voll und ganz „realisiertes“ Bild hervorzubringen (siehe hierzu → réalisation bei Cézanne). Dieses Suchen und Forschen, das die Schriften von Matisse wie ein roter Faden durchzieht, findet sich ganz ausgeprägt bei Cézanne.[74]
Matisse’ Widerstand gegen die abstrakte Malerei [Bearbeiten]
Mit nicht nachlassender Vehemenz verurteilte Matisse im Gespräch mit Marie Raymond 1953 die abstrakte Malerei. „Begriffe wie nicht gegenständlich oder abstrakt sind nichts anderes als ein Schutzschild, um einen Mangel zu verbergen.“ Und fügt hinzu: „Schreiben sie es nur genauso, wie ich es Ihnen sage: Matisse ist gegen die abstrakte Kunst. Picasso denkt genau wie ich: alle, die ein Werk geschaffen haben, denken wie ich.“[75]
Auf die Frage Marie Raymonds, ob denn nicht sein Spätwerk eine gewisse Annäherung an die Experimente der Abstrakten aufweist, erwiderte Matisse, dass Kunst schon immer abstrakt war und dass er, wenn er jünger wäre, eine Kampagne gegen die abstrakte Kunst beginnen würde.[75]
An anderer Stelle hob er zur Begründung seiner Ablehnung der abstrakten Malerei hervor, dass diese die Abstraktion nur imitiere.[37]
Einfluss auf den Abstrakten Expressionismus in den USA [Bearbeiten]
Nachdem Mark Rothko, ein Vertreter des Abstrakten Expressionismus, Ende der 1940er Jahre im New Yorker Museum of Modern Art Matisse’ Red Studio (Das rote Atelier, 1911) gesehen hatte, war er vom Schaffen des französischen Künstlers sehr beeindruckt, und es beeinflusste wesentlich sein eigenes Werk. Wie Rothko einmal erzählte, habe er „Stunden um Stunden“ vor dem Gemälde sitzend verbracht. Im Todesjahr von Matisse, 1954, malte Rothko Homage to Matisse; dieses Werk erzielte im November 2005 bei einer Auktion über 22 Millionen Dollar.[76]
Die amerikanischen Maler des Abstrakten Expressionismus wie Robert Motherwell, Sam Francis sowie Frank Stella und der Farbfeldmaler Ellsworth Kelly sind ebenfalls vom Werk Matisse’ beeinflusst worden.[77]
Matisse und seine Modelle [Bearbeiten]
Über Leben und Arbeit von Matisse gibt es zahlreiche Vorurteile – zum Beispiel, dass er mit seinen weiblichen Modellen Affären gehabt haben soll. Hilary Spurling, die britische Matisse-Biografin, hat diese Vermutung ins Reich der Legende verwiesen. Sie schreibt, dass sich aus Briefen, Tagebucheinträgen und Berichten seiner Weggefährten ein anderes Bild ergäbe: „Sie alle beschrieben ein System mönchischer Strenge und Disziplin, und alle waren von Matisse’ unmenschlicher Norm der Selbstkasteiung bis an die Grenzen des Erträglichen getrieben worden“. Spurling hat mit allen noch lebenden Modellen ausführliche Gespräche geführt.[78]
Filme über Matisse [Bearbeiten]
Der Schriftsteller Louis Aragon hatte Henri Matisse im Winter des Jahres 1941 kennengelernt, als er mit Elsa Triolet aus dem besetzten Teil Frankreichs nach Nizza geflohen war, um dort die gemeinsame Arbeit in der Résistance fortzusetzen. Es entstand eine tiefe Freundschaft, aus der heraus Aragons Buch über Matisse, Henri Matisse, roman entstand, das jedoch erst kurz nach Elsas Tod im Jahr 1971 vollendet werden konnte. Aragons Werk bildete mit der Mischung aus Autobiografie und Kunstkritik sowie Aufsätzen und Gedichten die Vorlage für den Filmemacher Richard Dindo, der bereits Dokumentarfilme, unter anderem über Max Frisch und Arthur Rimbaud, gedreht hatte. Dindo schildert in dem 52-minütigen Farbfilm Aragon, le roman de Matisse die Rückkehr an die Orte, wo Matisse gewohnt hatte. Eine gelungene Montage verdichtet Bilder und Töne zu einer filmischen Lektüre von Gemälden, Buch und authentischen Schauplätzen. Produktion: Lea Produktion, Zürich 2003, Regie Richard Dindo.[79]
Ferner wurden Filme gedreht, die als Videofilme erhältlich sind und von verschiedenen Fernsehsendern ausgestrahlt wurden: Gero von Boehm drehte Henri Matisse – die Jahre in Nizza, Fernsehmitschnitt: ARD, 4. Oktober 1988. Matisse – Picasso, eine unwahrscheinliche Freundschaft von Philippe Kohly aus dem Jahr 2002 ist ein französischer Filmbericht, Fernsehmitschnitt: 3sat, 20. Juli 2003. Henri Matisse – eine filmische Reise (Henri Matisse – un voyage en peinture), ein Filmporträt, wurde von Heinz Peter Schwerfel bearbeitet, Deutschland/Frankreich 2005, Fernsehmitschnitt: Arte, 10. Dezember 2005.
Der anderthalbstündige Fernsehfilm Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry entstand im Jahr 2000; er befasst sich mit den Porträts der zwei „Giganten“ in der Kunst des 20. Jahrhunderts. Er zeigt unter anderem selten veröffentlichte Fotografien ihrer Gemälde und Skulpturen sowie Fotos und Filme der beiden Künstler aus Archiven, die sie bei der Arbeit zeigen. Geneviève Bujold ist die Stimme von Françoise Gilot, Robert Clary ist Matisse und Miguel Ferrer Picasso. Die mit einem nationalen Emmy ausgestattete Produktion stammt von KERA-Dallas/Fort Worth/Denton in Zusammenarbeit mit dem Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas.[80]
Im Jahr 2011 entsteht ein Film mit dem Titel Masterpiece, in dem Al Pacino den 70-jährigen Künstler darstellt. Der Film beschäftigt sich mit seiner Beziehung zu Monique Bourgeois, der späteren Schwester Jacques-Marie. Regie führt Deepa Mehta.[81]
Matisse auf dem Kunstmarkt [Bearbeiten]
Matisse’ Werke erzielen oft Spitzenpreise bei Auktionen. Beispiele aus den letzten Jahren sind das Gemälde Geranium (1910), das 2007 bei Sotheby’s in New York für 9,5 Millionen Dollar versteigert wurde[82] sowie das Gemälde aus dem Jahr 1911, Les coucous, tapis bleu et rose, das im Februar 2009 auf der Versteigerung der Kunstsammlung des Modeschöpfers Yves Saint Laurent durch Christie’s in Paris den Rekordpreis für ein Matisse-Gemälde erzielte. Der Hammer fiel bei 35.905.000 Euro.[83] Unter den aktuell zwölf teuersten Gemälden der Welt sind seine Werke im Gegensatz zu Arbeiten Picassos jedoch nicht zu finden. Sein Bronzerelief, Nu de dos 4 état, versteigert bei Christie’s am 3. November 2010, erbrachte den Rekord für ein Matisse-Werk (in Dollar): Die Gagosian Gallery, New York, erwarb es für mehr als 48 Millionen Dollar (umgerechnet gut 34 Millionen Euro).[84]
Matisse in Alltag und Wissenschaft [Bearbeiten]
Die Werke des Künstlers sind in der Gegenwart so beliebt, dass sowohl viele Poster mit Abbildungen seiner Werke angeboten werden als auch Puzzles, beispielsweise das 1000-teilige Puzzle mit dem Werk Der Tanz. Der Autohersteller Citroën stellt nicht nur ein Auto mit dem Namen seine Freundes und Antipoden Picasso her, sondern seit dem Jahr 2006 auch den C Matisse. Matisse’ Name ist ebenfalls in der Musikszene vertreten: Im Jahr 1999 nannte sich eine alternative griechische Rockband in Athen Matisse, und in Troisdorf gibt es eine Musikkneipe gleichen Namens.
Auf dem Planeten Merkur werden Krater nach verstorbenen bekannten Persönlichkeiten benannt, beispielsweise nach Künstlern, Malern, Schriftstellern und Musikern. Der Matisse-Krater ist nach Henri Matisse benannt; er hat einen Durchmesser von rund 210 Kilometern und liegt auf der Südhalbkugel des Merkur.[85]
Ausstellungen, Museen (Auswahl) [Bearbeiten]



Das Musée Matisse in Le Cateau-Cambrésis


Das Musée Matisse in Nizza
Werke von Henri Matisse wurden in der Galerie 291 (1908, 1910, 1912), der Armory Show (1913), auf der documenta 1 (1955), der documenta II (1959) und der documenta III (1964) in Kassel gezeigt.
1904: Erste Einzelausstellung bei Ambroise Vollard, Paris
1905: Gemeinschaftsausstellung im Salon d’Automne, der Begriff Fauvismus wurde hier geprägt
1910: Erste Ausstellung bei Bernheim-Jeune, Paris
1919/1920: Ausstellungen bei Bernheim-Jeune, Paris
1931–1933: Retrospektiven in Berlin, Paris, Basel, New York
1934/35: Mehrere Ausstellungen in der New Yorker Galerie seines Sohnes Pierre Matisse
1945: Retrospektive im Salon d’Automne; gemeinsame Ausstellung mit Picasso in London
1949: Ausstellung von Scherenschnitten und anderen neuen Werken im Musée National d’Art Moderne, Paris
1952: Eröffnung des Musée Matisse in seiner Heimatstadt Le Cateau-Cambrésis
1953: Ausstellung der Scherenschnitte in der Galerie Berggruen, Paris und der Skulpturen in London
1963: Eröffnung des Musée Matisse in Nizza
2002: Matisse – Picasso. Tate Modern, London; Les Galeries Nationales du Grand Palais, Paris; Museum of Modern Art, New York
2008/2009: Matisse – Menschen Masken Modelle: Ausstellung in der Staatsgalerie Stuttgart und im Bucerius Kunst Forum, Hamburg
2009/2010: Matisse – Rodin, une rencontre entre deux maîtres de l’art moderne. 12. Juni – 23. September 2009 im Musée Matisse, Nizza; 15. Oktober 2009 – 15. Februar 2010 im Musée Rodin, Paris
2010/11: Cézanne – Picasso – Giacometti. Meisterwerke der Fondation Beyeler, Leopold Museum, Wien, 17. September 2010 – 2. Februar 2011
Werke (Auswahl) [Bearbeiten]

Gemälde und Scherenschnitte, grafisches Werk [Bearbeiten]
1894: Die Lesende, Öl auf Leinwand, 61,5 × 47,9 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris Abb.
1897: Der gedeckte Tisch, Öl auf Leinwand, 100 × 131 cm, Sammlung Stavros Niarchos Abb.
1900: Der Knecht, Öl auf Leinwand, 99,3 × 72,7 cm, Museum of Modern Art, New York Abb.
1904/05: Luxus, Stille und Begierde, Öl auf Leinwand, 94 × 117 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris Abb.
1905: Lebensfreude, Barnes Foundation, Merion Abb.
1905: Frau mit Hut, Öl auf Leinwand, 81 × 60 cm, San Francisco Museum of Modern Art Abb.
1905: Offenes Fenster in Colliure, Öl auf Leinwand, 52,7 × 46 cm, Privatbesitz Abb.
1905: Der grüne Streifen. Bildnis Madame Matisse, Öl auf Leinwand, 40 × 32,5 cm, Statens Museum for Kunst, Kopenhagen Abb.
1906: Orientalische Teppiche, Öl auf Leinwand, 89 × 116,5 cm, Musée de Peinture et de Sculpture, Grenoble Abb.
1907: Blauer Akt (Erinnerung an Biskra), Öl auf Leinwand, 92 × 140 cm, Baltimore Museum of Art, Baltimore
1907: Luxus I, Öl auf Leinwand, 210 × 138 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris Abb.
1908: Rote Harmonie, Öl auf Leinwand, 180 × 200 cm, Eremitage, Sankt Petersburg Abb.
1909: Spanierin mit Tamburin, Puschkin-Museum, Moskau
1909/10: Der Tanz (I und II), Museum of Modern Art, New York und Eremitage, Sankt Petersburg
1910: Bronze mit Früchten, Öl auf Leinwand, 90 × 115 cm, Puschkin-Museum, Moskau Abb.
1910: Die Musik, Öl auf Leinwand, 260 × 398 cm, Ermitage, Leningrad
1911: Familienbildnis, Öl auf Leinwand, 143 × 194 cm, Eremitage, Sankt Petersburg Abb.
1911: Das rote Atelier, Öl auf Leinwand, 181 × 219 cm, Museum of Modern Art, New York Abb.
1911: Blumenstrauß und Keramikteller, Öl auf Leinwand, 93,3 × 82,5 cm, Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt a.M. Abb.
1914: Ansicht von Notre Dame, Öl auf Leinwand, 147,3 × 94,2 cm, Museum of Modern Art, New York Abb.
1917: Kopf Laurettes mit Kaffeetasse, Öl auf Leinwand, 92 × 73 cm, Kunstmuseum Solothurn, Dübi-Müller-Stiftung Abb.
1919: Die Teestunde, Öl auf Leinwand, 140 × 211,1 cm, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles
1919: Bouquet de fleurs pour le Quatorze Juillet, Öl auf Leinwand
1928: Odaliske mit Lehnstuhl, Öl auf Leinwand, 60 × 73 cm, Musée Nationale d’Art Moderne, Paris Abb.
1932: Der Tanz, Öl auf Leinwand, 356,8 × 1432,5 cm, Wanddekoration für die Barnes Foundation in Merion
1937: Dame in Blau, Öl auf Leinwand, 93 × 73,6 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia
1940: Der Traum, Öl auf Leinwand, 80,9 × 64,7, Privatbesitz
1946: Polynesien – Das Meer, Scherenschnitt, 200 × 314 cm, Musée National d’Art Moderne, Paris Abb.
1950: Zulma, Scherenschnitt, 238,1 × 133 cm, Statens Museum for Kunst, Kopenhagen
1952: Blauer Akt, Serie, Scherenschnitte
1952: Der Papagei und die Sirene, Scherenschnitt, 337 × 773 cm, Stedelijk Museum, Amsterdam
1953: Die Schnecke, Scherenschnitt, 286,3 × 287 cm, Tate Gallery, London
1953: Die Trauer des Königs, Scherenschnitt, 292 × 386 cm, Musée National d’ Art Moderne, Paris
1953: Die Schnecke, Papierschnitt, 286,3 × 287 cm, Tate Gallery, London Abb.
Das zeichnerische und grafische Werk in einer Auswahl als PDF: Galerie Boisserée
Das bildhauerische Werk [Bearbeiten]
1899–1901: Jaguar, einen Hasen verschlingend, Bronze, 22,8 × 57,1 cm, Privatbesitz Abb.
1900–1903: Der Knecht, Bronze, Höhe 92,3 cm, Sockel 33 × 30,5 cm, Baltimore Museum of Art, Cone Collection Abb.
1906: Stehender Akt, Bronze, Höhe 48,2 cm, Privatbesitz
um 1909, 1914, 1916, 1930: Rückenakt I–IV, Bronze, alle im Museum of Modern Art, New York Abb.
1910–1913: Jeanette I – V. Jeanette V: Bronze, Höhe 58,4 cm, Art Gallery of Ontario, Toronto Abb.
Buchillustrationen [Bearbeiten]
1932: Stéphane Mallarmé: Poésies Albert Skira, Lausanne
1935: James Joyce: Ulysses. Macy, New York
1944: Henry de Montherlant: Pasiphaé. Chant de Minos. Fabiani, Paris
1946: Tristan Tzara: Le signe de vie. Bordas, Paris
1947: Charles Baudelaire: Les Fleurs du Mal. Bibliothèque française, Paris
1947: Henri Matisse: Jazz. Tériade, Paris. Deutsche Ausgabe: Hrsg. Katrin Wiethege; Neuausgabe von Prestel, München 2009, ISBN 978-3-7913-4278-8
1948: Pierre de Ronsard: Florilège des amours. Albert Skira, Genf
1950: Charles d’Orléans: Poèmes. Verve, Paris
Literatur [Bearbeiten]

Primärliteratur [Bearbeiten]
Henri Matisse, Peter Schifferli (Hrsg.): Farbe und Gleichnis. Gesammelte Schriften. Fischer, Frankfurt am Main 1960.
Autorensammlung, Jack D. Flam (Hrsg.): Henri Matisse. Könemann, Köln 1994 (übersetzt von C.E. Charles-Dunne, Ulrike Bischoff, Élie Faure, Roger Fry), ISBN 3-89508-009-8.
Henri Matisse: Über Kunst. In: Jack D. Flam (Hrsg.): detebe 26077. Diogenes, Zürich 1982 (Originaltitel: On Art), ISBN 978-3-257-21457-4 (aktuelle Neuausgabe als «Diogenes Taschenbuch» 21457, Zürich 2005).
englische Originalausgabe: Matisse on Art. Phaidon, New York NY 1973, ISBN 0-520-20032-2 (Revided Edition in «Documents of Twentieth-century Art» by University of California Press, Bercley CA 1993).
Henri Matisse, Graphische Sammlung Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgarter Galerieverein (Hrsg.): Zeichnungen und Gouaches découpées. Text von Lydia Delectorskaya, Ortrud Dreyer, Ulrike Gauss. Hatje Cantz, Ostfildern 1993 (übersetzt von Birgit Herbst, Françoise Joly), ISBN 978-3-7757-0445-8 (Ausstellungskatalog «Stuttgart 11. Dezember 1993 – 20. Februar 1994» deutsch / französisch / englisch).
Henri Matisse: Scherenschnitte. Text von Gilles Néret. Taschen, Köln / London / Los Angeles / Madrid / Paris / Tokyo 1994, ISBN 3-8228-8412-X.
Henri Matisse: Scherenschnitte. Text von Ralf Schiebler. Schirmer/Mosel, München 1994, ISBN 3-88814-359-4.
Henri Matisse: Matisse Portfolio. Taschen, Köln / London / Los Angeles / Madrid / Paris / Tokyo 2003, ISBN 3-8228-2982-X.
Henri Matisse, Katrin Wiethege (Hrsg.): Jazz. Prestel, München 2005, ISBN 978-3-7913-3508-7.
Sekundärliteratur [Bearbeiten]
Biografische Gesamtdarstellungen
Volkmar Essers: Matisse. Taschen, Köln 2006, ISBN 978-3-8228-6365-7
Lawrence Gowing: Matisse, Lichtenberg, München 1997, ISBN 3-7852-8406-3
Gabriele Grepaldi: Henri Matisse, DuMont, Köln 1998, ISBN 3-7701-4541-0
Gilles Néret: Henri Matisse, Taschen, Köln 1997, ISBN 3-8228-8217-8
John Russell: Matisse, Father & Son. Harry N. Abrams, New York 1999, ISBN 0-8109-4378-6
Pierre Schneider: Matisse. Rizzoli, New York 1984, ISBN 0-8478-0546-8
Hilary Spurling: Matisse. Leben und Werk. DuMont:
einbändige Ausgabe: 700 S., 150 s/w. Abb., 300 farb. Abb. Köln 2006 ISBN 978-3-8321-7704-1
zweibändige Ausgabe: im Schuber, zus. 1096 S., 320 s/w. Abb., 60 farb. Abb. Köln 2007, ISBN 978-3-8321-7774-4
Lebensabschnitte
1916–1930: Jack Cowart/Dominique Fourcade: Henri Matisse. The Early Years in Nice 1916–1930, Ausstellungskatalog (2. November 1986–29. März 1987) der National Gallery of Art (Washington), Harry N. Abrams, New York 1986, ISBN 0-89468-097-8
1943–1948: Marie-France Boyer/Hélène Adant: Matisse in der Villa Le Rêve. (1943–1948). Benteli, Bern 2005, ISBN 3-7165-1390-3
1943–1954: Francoise Gilot: Matisse und Picasso. Eine Künstlerfreundschaft, Kindler, München 1990, ISBN 3-463-40139-8
Augenzeugenberichte
Hans Purrmann: Über Henri Matisse. In: Henri Matisse Farbe und Gleichnis. Gesammelte Schriften, Hrsg. Peter Schifferli, Fischer Bücherei Nr.324, Fischer Bücherei KG, Frankfurt a. M. 1960, o. ISBN, S. 121–154
Einzelaspekte des Werkes
Oliver Berggruen/Max Hollein (Hrsg.): Henri Matisse. Mit der Schere zeichnen. Meisterwerke der letzten Jahre, Ausstellungskatalog, Prestel, München 2002 ISBN 3-7913-2798-4
Xavier Girard/Sandor Kuthy: Henri Matisse 1869–1954 – Skulpturen und Druckgraphik – Sculptures et gravures, Ausstellungskatalog (30. November 1990 – 10. Februar 1991), Kunstmuseum Bern/Musée des beaux-arts de Berne, Bern 1990, ISBN 3-7165-0768-7
Ernst-Gerhard Güse (Hrsg.): Henri Matisse. Zeichnungen und Skulpturen, Ausstellungskatalog zur Ausstellung im Saarland Museum Saarbrücken (12. Mai – 7. Juli 1991), Prestel, München 1991, ISBN 3-7913-1124-7
Gotthard Jedlicka: Die Matisse Kapelle in Vence – Rosenkranzkapelle der Dominikanerinnen. Suhrkamp, Frankfurt a. M. 1955
Beatrice Lavarini: Henri Matisse: JAZZ (1943–1947). Ein Malerbuch als Selbstbekenntnis, scaneg 2000 ISBN 3-89235-079-5.
Thomas Levy und Carl-Jürgen Tohmfor: Das Café du Dôme und die Académie Matisse. Schimper, Schwetzingen 1988, ISBN 978-3-87742-033-1
Annette Ludwig: Zauberfest des Lichts. Matisse in Marokko: Gemälde und Zeichnungen. Insel Verlag, Frankfurt a. M. 2007 ISBN 978-3-458-19226-8
Markus Müller (Hrsg.): Matisse – Picasso. Ihr künstlerischer Dialog im buchillustrativen Schaffen, Ausstellungskatalog zur Ausstellung im Graphikmuseum Pablo Picasso Münster (18. Februar – 25. Mai 2005), Münster 2005
Pia Müller-Tamm (Hrsg.): Henri Matisse. Figur/Farbe/Raum, Ausstellungskatalog zur Ausstellung der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (29. Oktober 2005 – 19. Februar 2006), Hatje Cantz, Ostfildern-Ruit 2005, ISBN 3-7757-1600-9
Henri Matisse/Nina Hollein/Max Hollein: Schnipp, Schnapp, Matisse. Prestel 2002, ISBN 3-7913-2753-4.
Otfried Schütz: Henri Matisse. Die blauen Akte. Insel, Frankfurt a. M. 1996, ISBN 3-458-33495-5
Dania Thomas: Henri Matisse. ‚Der Tanz‘ und ‚Die Musik‘. VDM-Verlag, Saarbrücken 2008, ISBN 978-3-8364-9561-5
Ortrud Westheider: Matisse: Menschen Masken Modelle, Hirmer, München 2008, ISBN 978-3-7774-4385-0
Wirkung und Rezeption
Alfred H. Barr: Matisse. His Art and his Public. Erstausgabe 1951. Little, Brown & Co, Boston 1974, ISBN 0-87070-469-9
Die große Inspiration. Deutsche Künstler in der Académie Matisse, Teil III, Ausstellungskatalog, Kunst-Museum Ahlen 2004/05
Werkverzeichnis
Claude Duthuit/Marguerite Duthuit-Matisse (Hrsg.): Henri Matisse. Catalogue Raisonné de l’Œuvre Gravé. Zwei Bände. Paris, 1983
Claude Duthuit (Hrsg.): Henri Matisse. Catalogue Raisonné des Ouvrages illustrées. Paris, 1988
Claude Duthuit (Hrsg.): Henri Matisse. Catalogue Raisonné de l’Œuvre Sculpté. Duthuit, Paris 1997, ISBN 2-904852-04-2
Pierre Schneider/Massimo Carrà: Tout l’Œuvre peint de Matisse 1904–1928, Paris 1982
Weblinks [Bearbeiten]

Commons: Henri Matisse – Album mit Bildern und/oder Videos und Audiodateien
Literatur von und über Henri Matisse im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
Ausstellungen: Ausstellungen von Henri Matisse auf kunstaspekte.de
Informationen zu Henri Matisse im BAM-Portal
henri-matisse.net: Umfassende Webseite mit Biografie, Werk und Fotografien (englisch)
Museen und Biografie artcyclopedia (englisch)
Matisse im Webmuseum Paris
Musée Matisse, Nizza
Film Matisse & Picasso, 2000
Materialien von und über Henri Matisse im documenta-Archiv
Einzelnachweise [Bearbeiten]

↑ Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite
↑ Henri Matisse – Mit der Schere zeichnen. frankfurtlounge, 2002, abgerufen am 7. Mai 2009.
↑ Henri Matisse: Farbe und Gleichnis, S. 110
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 7, 92
↑ Henri and Pierre Matisse, Cosmopolis, No 2, January 1999
↑ Jill Kitson: Über Hilary Spurlings The Unknown Matisse. abc.net, abgerufen am 3. April 2009.
↑ a b Volkmar Essers: Matisse, S. 92
↑ Obituaries: Marguerite Duthuit. New York Times, 3. April 1982, abgerufen am 23. März 2009.
↑ Paris 1900. Kulturportal Paris, abgerufen am 20. März 2009.
↑ Lawrence Gowing: Matisse, S. 63
↑ Hilary Spurling: The Unknown Matisse Bd. I, University of California Press 2001, ISBN 0-52022-203-2, S. 232, abgerufen am 21. Januar 2012
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 11 ff
↑ a b Volkmar Essers: Matisse, S. 14
↑ John Elderfield: The Wild Beasts Fauvism and Its Affinities, 1976, Museum of Modern Art, S. 43, ISBN 0-87070-638-1. Übersetzung: (Eine Skulptur von) „Donatello inmitten der Wilden“
↑ Stefana Sabin: Gertrude Stein. Rowohlt, Reinbek 1996, ISBN 3-499-50530-4, S. 36
↑ a b Volkmar Essers: Matisse, S. 19
↑ The Cone Collection. Baltimore Museum of Art, abgerufen am 30. März 2009.
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 21–23
↑ Eric Gelber: The Academie Matisse. artnet.com, 2001, abgerufen am 2. April 2009.
↑ Gerhard Charles Rump: Expressive Koloristik: Die deutschen Matisse-Schüler,www.welt.de, 24. Oktober 200, abgerufen am 6. Juni 2011
↑ Ulrike Lorenz, Norbert Wolf (Hrsg.): Brücke – Die deutschen „Wilden“ und die Geburt des Expressionismus, Taschen Verlag, Köln 2008, S. 12 f.
↑ Sandra Orienti: Henri Matisse. g26.ch/art, abgerufen am 2. April 2009.
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 28–39
↑ Melissa Seckora: Modern Champions. nationalreview.com, 3./4. Februar 2001, abgerufen am 12. August 2009.
↑ Biografie Walter Pach von askart.com, abgerufen am 3. September 2010
↑ a b c André Verdet: A Propos du dessin et des odalisque, Entretiens notes et écrits sur la peinture, 1978, Editions Galilée, Paris. Aus Henri Matisse, Jack D. Flam (Hrsg.), Könemann, Köln 1994, S. 152
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 42–48
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 51–54, 94
↑ Französische Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und Anfang des 20. Jahrhunderts, Ermitage Leningrad, Aurora-Kunstverlag, Leningrad, 1987
↑ Henry Matisse. Enzyklopädia Britannica, abgerufen am 24. März 2009.
↑ Phyllis Tuchman: Matisse the Master von Hilary Spurling. The Washington Post, 25. September 2005, abgerufen am 26. März 2009.
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 95
↑ Henri Matisse: Mit der Schere zeichnen. Schirn Kunsthalle (PDF), abgerufen am 5. April 2009.
↑ David Rockefeller: Union Church of Pocantico Hills. Abgerufen am 1. April 2009.
↑ Quelle Musée Matisse, Cimiez, Nizza, siehe Weblink
↑ Henri Matisse: Farbe und Gleichnis, S. 105. Aus: Chapelle du Rosaire de Vence, 1951
↑ a b André Verdet, Entretiens avec Henri Matisse, in: Prestige de Matisse, Paris 1952, S. 37–76
↑ Matisse – Über Kunst, Diogenes Verlag, Zürich, 1982, S. 11–12
↑ Escholier, 1937, S. 17; idem, 1956, S. 50
↑ Lawrence Gowing: Matisse, S. 9–18
↑ Matisse – Über Kunst. S. 25
↑ Matisse: Color and Light. National Gallery of Art, 2009, abgerufen am 28. April 2009.
↑ Lawrence Gowing: Matisse, S. 47 f
↑ Lawrence Gowing: Matisse, S. 50 ff
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 16 f
↑ Volkmar Essers: Matisse. S. 18 ff
↑ Henri Matisse. kunstzitate.de, abgerufen am 15. April 2009.
↑ Pia Müller Tamm: Henri Matisse: Figur Farbe Raum (Ausstellungen 2005/06). Kunstaspekte, abgerufen am 26. März 2009.
↑ Volkmar Essers: Matisse, S. 32–44
↑ Lawrence Gowing: Matisse. S. 142 f
↑ Karin Ego-Gaal: Henri Matisse – Figur Farbe Raum. Portal Kunstgeschichte.14. Mai 2006, abgerufen am 18. März 2009.
↑ Magdalena Dabrowski: Henri Matisse. MoMA, abgerufen am 18. März 2009.
↑ Juliane Bardt: Kunst aus Papier. Olms, Hildesheim 2006, ISBN 978-3-487-13093-4, S. 120
↑ Henri Matisse: Farbe und Gleichnis, S. 96
↑ Gisela Fischer: Henri Matisse, Anmerkungen zum grafischen Werk. Galerie Boiserée, 200, abgerufen am 19. April 2009.
↑ Henry Matisse. Enzyklopädia Britannica, abgerufen am 24. März 2009.
↑ Henry Matisse Sculpture Facts. Baltimore Museum of Art, abgerufen am 6. April 2009.
↑ Lawrence Gowing: Matisse, S. 18 f, 34, 72, 79 f, 88 f, 102
↑ Siehe Weblink matisse.net unter „Sculptures
↑ Gelett Burgess: The Wild Men of Paris, Architectural Record, Mai 1910, S. 400–414
↑ Pensées et réflections sur la peinture. Nord-Sud, Dezember 1917, S. 3–5
↑ Picasso speaks. The Arts, Mai 1923, S. 315–326
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↑ Quelle: siehe Weblink Film Matisse & Picasso
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↑ Auction February 2009. Christie’s, abgerufen am 15. April 2009.
↑ monopol-magazin.de: Christie’s Auktion setzt neuen Matisse Rekord, abgerufen am 5. November 2010
↑ Stefan Deiters: Ein Matisse, der die Glocken klingen lässt. astronews, 24. Januar 2008, abgerufen am 2. Mai 2009.

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